High Hopes (2014) [Bruce Springsteen]

Ante la emoción de escuchar lo nuevo de Bruce Springsteen un par de semanas antes del lanzamiento oficial, no puedo evitar el escribir unas líneas expresando mis impresiones a cerca de este nuevo álbum. Se dice que el 28 de Diciembre, Amazon puso a la venta el álbum por "error" durante algunas horas, llegando éste a ser número uno, top ventas... ¿error, estrategia comercial...? ni idea, pero esta claro que no necesita vender para llenar estadios y que lo escuchemos antes o después, lo fieles lo compraremos, y con más motivo si tienes la garantía de haberlo escuchado... y disfrutado (como yo).

Lo cierto es que tras la primera escucha, "el sabor de oído" que queda... la sensación general, no es la de escuchar un disco uniforme... tiene retazos de varias épocas... algunas versiones de otros grupos e incluso alguna suya... PERO a pesar de esa falta de uniformidad la sonoridad es homogénea.

Según Springsteen: 'es un disco de canciones que merecen ser editadas'.

El disco abre con un tema ideal para iniciar un concierto... hasta cierto punto con sonido un tanto fiestero recordando a las Seeger Sessions en cuanto a sonido, de todas formas ya la habíamos escuchado antes, en aquel documental de reunificación Blood Brothers (1996), High Hopes es una versión de un grupo llamado The Havalinas, esta versión suena algo más fresca y el solo final de Morello la da un plus. Harry's Place es un descarte del álbum The Rising (2002), ¡ME ENCANTA! nada más empezar me sumerge en los suburbios de una ciudad cualquiera durante una noche fría y húmeda... la intro suena ochentera total... en sonido se acerca a Murder Incorporated, When The Light Go Out, Goin' Cali... es una especie de mix de sonidos atmosféricos de los ochenta y los noventa y el modo de cantar es más narrativo, con voces distorsionadas que dan un efecto más rudo, el saxo de fondo le da ese toque urbanita-nocturno a la canción, la guinda es la guitarra con ese efecto wah-wah y ese sucio final de guitarra el broche a uno de los temas más oscuros del disco. American Skin (41 Shots), ya la escuchamos en su versión en directo en el año 2000, canción que parece estar dedicada a Amadou Diallo, inmigrante del oeste de África, que recibió la noche del 4 de febrero de 1999 19 de los 41 disparos que descargaron contra él, fue confundido con un violador en serie armado por cuatro agentes de la policía de la ciudad de Nueva York, es una canción que critica la saña con la que se cebaron, es una denuncia al racismo, al abuso de la autoridad y a la "alegría de darle al gatillo" en su momento hubo una trifulca entre la policía y Springsteen, autor de esa canción que hablaba de una actuación tan negativa... hubo un boicot en el que pedía que no se asistiera a sus conciertos y el teniente de policía reaccionó diciendo que "El Sr. Springsteen normalmente ha apoyado a los agentes de policía colaborando de manera generosa con actos benéficos de la policía. Los ataques hacia él no sólo son injustos, sino también contraproducentes". (¡olé!) Un temazo que tenía que tener su respectiva versión en estudio aderezada de otro genial solo de guitarra de Morello. Tras la metralla descargada en el tema anterior toca dar un respiro y alegrarse a ritmo de Just Like Fire Would, una versión de un grupo llamado The Saints me recuerda a los temas rescatados en el Tracks (1998) o del The Promise (2010) de la época del Born To Run (1975) al Born In The U.S.A. (1984). Continuamos con una joyita con un aire muy country pero con en la línea de I'm On Fire , Down In The Hole, un tema que va creciendo hasta llegar a un clímax folk precioso y después seguir a su ritmo hasta desvanecerse en el silencio... y va ganando (mucho) con las escuchas. Ahora viene otro descarte, esta vez de Wrecking Ball; animada, facilona y diferente que podría haber casado bien con temas como Rocky Ground. Heaven's Wall, un country-gospel pidiendo algo de movimiento a ritmo de: "raise your hands, raise your hands, raise your hands...", pegadiza y efectiva, seguramente un pelotazo en directo, en mi opinión debería ser segundo single de High Hopes. Pasado el ecuador el disco apunta maneras... pero personalmente opino que no logra mantener el tipo Frankie Fell In Love, suena a descarte de Tracks (pero no estoy seguro de que lo sea) lo que sí que suena es la influencia de Steve Van Zandt... es un tema pop bastante enérgico que podría haber pertenecido perfectamente a Magic (2007). This Is Your Sword, un tema con un sonido muy celta y también muy enérgico pero que me temo que pasará sin pena ni gloria como uno más... parece ser un rescate de las Seeger Sessions (2006), de ser así, en ese disco tiene una mejor cabida y es una pena que no lo hubiera incluido, porque brillaría más que en este High Hopes. Continuamos con Hunter Of Invisble Game, con un sonido cálido y muy característico de la última época de Bruce (desde el año 2000 en adelante) , una combinación de guitarras acústicas y arreglos orquestales (vientos y cuerdas) que a ropan esa tranquilizadora voz, a mí me suena a un descarte de Working On A Dream (2009), en ese caso habría sido un sacrificio más que un descarte, ya que este tema es muy superior a la media de ese disco. Ahora llega el momento más esperado del disco (para mí), la versión eléctrica de la canción de Bruce que más me gusta...

The Ghost Of Tom Joad a dueto con Tom Morello, desde luego no me parece superior a la original, NI DE COÑA (pero... es una MUY buena versión), al contrario que ocurre con Youngstown, que nunca sé que versión me gusta más, si la acústica o la eléctrica... al margen de todo esto, la versión con Morello es muy potente, con mucha fuerza y con un solo de guitarra brutal, pero que siempre he dudado de sí excesivo y artificioso me parece un lucimiento personal del guitarrista en uno de los buques insignia del Boss... pero he de reconocer que es impresionante. Tras semejante tormenta, llega la tranquila y modesta balada The Wall, en la que se aprecia un cierto toque irlandés... y desemboca en la ya conocida Dream, Baby Dream, una versión algo más recargada y emotiva que la tocada en la gira de Devil & Dust (2005), el tema en cuestión lo compuso un grupo llamado Suicide, pero sinceramente, a mí esta nunca me convenció y personalmente me deja un poco frío, pero con semejante comienzo...

La primera mitad del álbum ha sido muy intensa y bastante más equilibrada que la segunda. Aunque seguramente no será el mejor disco de Bruce... tampoco es el peor, se trata de un disco muy digno, de una buena colección de canciones que como bien dice Bruce: merecían su versión en estudio.

El que esté interesado en The Ghost Of Tom Joad recomiendo leer este artículo: leer artículo "The Ghost Of Tom Joad" en blog 'Jot Down'.

Actualización

Acabo de leer que Down In The Hole es un descarte de The Rising y que  Hunter Of Invisble Game es un descarte de Wrecking Ball, pero al igual que yo, admiten que tiene más en común con Working On A Dream que con el supuesto álbum de origen. Ver reseña completa en el siguiente enlace de www.billboard.com . 

Leer reseña aquí.

Deepak Chopra

Las 10 recomendaciones de "El poema eres tú".

1.- Escucha la sabiduría de tu cuerpo, que se expresa por señales de comodidad e incomodidad. Cuando elijas cierta conducta, pregunta a tu cuerpo que siente al respecto. Si tu cuerpo envía una señal de inquietud física o emocional, ten cuidado. Si tu cuerpo envía una señal de comodidad y anhelo, procede.

2.- Vive en el presente, que es el único momento que tienes. Mantén tu atención en lo que existe aquí y ahora; busca la plenitud en todo momento. Acepta lo que viene a ti total y completamente para que puedas apreciarlo y aprender de ello; luego déjalo pasar. El presente es como debe ser. Refleja infinitas leyes de la Naturaleza que te han traído hasta este pensamiento exacto, esta reacción física precisa. Este momento es como es porque el Universo es como es. No luches contra el infinito esquema de las cosas; por el contrario, sé uno con él.

3.- Dedica tiempo al silencio, a meditar, a acallar el diálogo interior. En momentos de silencio, cobra conciencia de que estás reconectándote con tu fuente de conciencia pura. Presta atención a tu vida interior para que puedas guiarte por tu intuición, antes que por interpretaciones impuestas desde fuera sobre lo que conviene o no te conviene.

4.- Renuncia a tu necesidad de aprobación externa. Sólo tú eres el juez de tu valer; tu meta es descubrir el infinito valor de ti mismo, sin dar importancia a lo que piensen los demás. Al comprender esto se logra una gran libertad.

5.- Cuando te descubras reaccionando con enojo u oposición ante cualquier persona o circunstancia, recuerda que sólo estás luchando contigo mismo. Presentar resistencia es la reacción de las defensas creadas por viejos sufrimientos. Cuando renuncies a ese enojo te curarás y cooperarás con el flujo del universo.

6.- Recuerda que el mundo de allí fuera refleja tu realidad de aquí dentro. Las personas ante las cuales tu reacción es más fuerte, sea de amor u odio, son proyecciones de tu mundo interior.Lo que más odias es lo que más niegas en ti mismo. Lo que más amas es lo que más deseas dentro de ti. Usa el espejo de las relaciones para guiar tu evolución. El objetivo es un total conocimiento de uno mismo. Cuando lo consigas, lo que más desees estará automáticamente allí; lo que más te disgusta desaparecerá.

7.- Libérate de la carga de los juicios. Al juzgar impones el bien y el mal a situaciones que simplemente son. Todo se puede entender y perdonar, pero cuando juzgas te apartas de la comprensión y anulas el proceso de aprender a amar. Al juzgar a otros reflejas tu falta de autoaceptación. Recuerda que cada persona a la que perdones aumenta tu amor a ti mismo.

8.- No contamines tu cuerpo con toxinas, ya sea por la comida, la bebida o por emociones tóxicas. Tu cuerpo no es sólo un sistema de mantenimiento de la vida. Es el vehículo que te llevará en el viaje de tu evolución. La salud de cada célula contribuye directamente a tu estado de bienestar, porque cada célula es un punto de conciencia dentro del campo de la conciencia que eres tú.

9.- Reemplaza la conducta que motiva el miedo por la conducta que motiva el amor. El miedo es un producto de la memoria, que mora en el pasado. Al recordar lo que nos hizo sufrir antes, dedicamos nuestras energías a asegurarnos de que el antiguo sufrimiento no se repita. Pero tratar de imponer el pasado al presente jamás acabará con la amenaza del sufrimiento. Eso sólo ocurre cuando encuentras la seguridad de tu propio ser, que es amor. Motivado por la verdad interior, puedes enfrentarte a cualquier amenaza, porque tu fuerza interior es invulnerable al miedo.

10.- Comprende que el mundo físico es sólo el espejo de una inteligencia más profunda. La inteligencia es la organizadora invisible de toda la materia y toda la energía; como una parte de esta inteligencia reside en ti, participas del poder organizador del cosmos. Como estás inseparablemente vinculado con el todo, no puedes permitirte el contaminar el aire y el agua del planeta. Pero en un plano más profundo, no puedes permitirte el vivir con una mente tóxica, porque cada pensamiento crea una impresión en el campo total de la inteligencia. Vivir en equilibrio y pureza es el más elevado bien para ti y para la Tierra.

The Song Of Distant Earth (1994) [Mike Oldfield]

"Since the finale of the novel is a musical concert, I was delighted when Mike Oldfield told me that he wished to compose a suite inspired by it. I was particularly impressed by the music he wrote for The Killing Fields and now, having played the CD-ROM of The Songs of Distant Earth, I feel he has lived up to my expectations.

Welcome back into space, Mike: there's still lots of room out here."

— Arthur C. Clarke

The Song Of Distant Earth (TSODE) es quizá, el disco más "redondo" de Mike Oldfield. Digo esto porque no me atrevo a decir que se trata de el mejor, ni el que más me gusta, pero sin duda es el que más he escuchado, el que más escucho y con casi toda la seguridad del mundo... el que más escucharé. Eso no significa que Tubular Bells (1973) sea mi disco favorito (en general), por lo que significa... porque es el primer disco de Mike Oldfield, porque supone el comienzo del imperio Virgin... porque todo fue grabado bajo una cierta presión en un momento que había una gran crisis y aún así se vendió muy bien... porque todos los instrumentos fueron grabados por el propio Mike... etc. Existen varios libros sobre el tema y un post pendiente que algún día escribiré.

Resumiendo, este disco, no es un disco... ¡es UN DISCAZO! y por muchas "subjetividades", favoritismos... y razones varias que se me ocurran... TSODE es el disco de Oldfield que mejor ha envejecido y el que mejor se deja escuchar con el paso de los años, es una sinfonía galáctica que hará vibrar y emocionar a aquel que lo escuche de verdad (no que lo oiga... QUE LO ESCUCHE).

Ahora entra en juego mi vena nostálgica... todavía recuerdo el spot publicitario que quedará grabado para siempre en mi retina y ese casette que le grabaron a mi padre que nos acompañaba en todos los viajes que hicimos durante lo que fue mi infancia, recuerdo haberlo escuchado siempre de principio a fin sin cansarme y sin saber que canciones tenía (simplemente me bastaba saber que era ese disco) recuerdo que esperaba ansiosamente el momento en el que comenzaba "Let There Be Light", me parecía un momento mágico, no se me ocurrió pensar nunca que ese sonido tan cristalino y tan 100% Oldfield provenía de una guitarra... ¡¡Impresionante!! (por aquel entonces tenía 9 añitos).

Mike Oldfield tomó una de las novelas de Arthur C. Clarke como inspiración para realizar este disco, la novela más musical de toda su bibliografía. 

<< Lo que me atrajo de la novela es que ya desde el título es intrínsecamente musical. >>

El argumento del libro es el siguiente: los cieníficos han descubierto que nuestro sol va a estallar y con la intención de evitar la destrucción de la raza humana comienzan a enviar naves sembradores en busca de nuevos planetas habitables con el objetivo de reestablecer una civilización. Magallanes es el nombre de la última nave sembradora, su objetivo es Sagan-Dos, aunque antes ésta se detendrá en Thalassa, planeta en el que construirán un escudo a base de placas de hielo para proteger la nave, antes de proseguir su largo viaje hasta Sagan-Dos.

In The Beginning [01:24]: entre sonidos de ballenas despertamos del silencio, seguido por la voz de Bill Anders, astronauta que viajó a la Luna. Los versos que recita pertenecen al libro del Génesis de La Biblia, que por contra, en la novela indica que no se transportaron Biblias para no corromper la mentalidad de futuras generaciones. A pesar de su nula relación con el libro nos encontramos ante una introducción perfecta para esta epopeya espacial. Esos sonidos de ballenas evocan un ambiente semi-orgánico relacionado con las naves sembradoras.

Let There Be Light [04:52]: aunque tampoco tiene relación directa con la historia, este es un tema con un sonido 100% Oldfield, es una canción con un toque de guitarra puramente cristalino y redondo, presenta un ritmo bastante dinámico y expresa de manera sobrecogedora lo que podría ser un viaje en una de esas naves, es la melodía de un viaje espacial de ensueño. Una de las mejores melodías compuestas por Oldfield.

Supernova [03:24]: se trata de un tema muy ambiental que describe perfectamente lo que podría ser una visión del espacio, las estrellas brillando, los planetas... y de ahí nacen unos acordes que asoman tímidamente y que poco a poco van tomando mayor protagonismo, éstos van creciendo mientras se repiten hasta que se escucha un gran estruendo como de una gran explosión (¿la supernova?) y entonces unos coros toman el protagonismo... que es a la vez una especie de lamento y de grito heroico, un intento de continuar con la raza humana... 

Magellan [04:41]: el comienzo de este tema es una "explosión sónica" que continua del tema anterior), es el despegue de la última nave sembradora, la "Magellan", melodía principal interpretada con unas gaitas, instrumento poco usual en este tipo de música, pero que Mike Oldfield se encarga de encajarlo perfectamente dándole así más fuerza y un toque más terrenal, es el despegue de la nave, es el momento en el que todavía no ha salido de la atmósfera, es el espectáculo...el estar viéndo la última nave que despega de la Tierra para colonizar otros lugares.

Una vez superada la parte inicial, nos dejamos llevar por la inercia de semejante despegue con una delicada melodía de piano. Si alguno de los tripulantes de la Magallanes pudiera mirar a través de una ventana y escuchar esta melodía... es la música perfecta para un viaje al espacio... a esta melodía se le suma posteriormente una guitarra y la fuerza de los coros...

Creo recordar que el estribillo de este tema se utilizó en un anuncio de televisión, era de un coche y la "explosión gaitera" se podía apreciar mientras este serpenteaba un puerto de montaña.

First Landing [01:16]: tema puente que nos lleva a Oceanía.

Oceania [03:20]: otro de mis grandes y esperados momentos, tras ese aterrizaje en Thalassa un planeta formado por un 90% de agua (así que Oceania y Thalassa viene a ser lo mismo), podemos escuchar un tema muy tranquilo, de sonido relajante y pacífico; se pueden escuchar gaviotas y el sonido de las olas al adentrándose y deshaciéndose en la arena de las playas. Es la continuación melódica de "Let There Be Light" pero con otro desarrollo.

En "Thalassa" (planeta del libro) no había gaviotas, su sonido era echado de menos por uno de los protagonistas del libro sin embargo en Oceania si podemos escucharlas. 

NOTA: Algunas de estas referencias las he sacado de un magnífico artículo que hizo Iker Manzano para el fanzine Orabidoo, son detalles muy curiosos, ver como la música transmite sonidos y sentimientos que en el libro no se transmiten esta oposición hace realmente que sea complementaria la música al libro.

Only Time Will Tell [04:26]: precisosa frase que viene a decir que en el momento menos esperado todo puede cambiar 'sólo el tiempo lo dirá'. Mike Oldfield va pronunciando dicha frase a lo largo del tema sobre un fondo puntual y que se va repitiendo hasta la saciedad... lo bueno es que no (me) cansa y va creando una atmósfera de esperanza, hasta desembocar en unos coros que vienen a representar a toda la raza humana, se pueden escuchar registros femeninos, masculinos (el de Mike Oldfield) e incluso neutros (como si de niños se tratase) en un tono suplicante...como si todos esperaran que algo ocurriera. Este es uno de mis temas favoritos (por lo que me transmite) y quizá uno de los más sencillos.

Hasta aquí una introducción PERFECTA. Posteriormente los temas se tornan más irregulares (no hay malos ni buenos... si no momentos más ambientales y descriptivos y momentos más... vivos y musicales).

Player For The Earth [02:10]: este tema básicamente se compone de un coro que lamenta la pérdida del hogar de toda la humanidad... La Tierra.

Lament For Atlantis [02:44]: una bonita melodía a piano que poco a poco se va desarrollando y tomando fuerza hasta que aparece la guitarra acompañando la melodía de piano y desgarrando unos acordes que hacen que finalmente el tema brille y no pase a ser un simple tema de transición y relax.

The Chamber [01:48]: unos coros y unas voces por radio algo distorsiondas nos introducen al siguiente tema Hibernaculum.

Hibernaculum [03:33]: se trata de un gran tema, este fue uno de los singles extraídos del disco, nos encontramos ante un canto gregoriano, aunque un poco más peculiar, con un toque electrónico y todo ello aderezado con el mejor sonido Oldfield a cargo de su guitarra, este tema representa la sala de hibernación en la que "descansan" en torno a un millón de personas:

<<...A su alrededor todo eran relucientes panales que podían haber sido hechos de hielo, con una formación de miles de celdas hexagonales...>>

<<...¿Qué estarían soñando, se preguntó a menos de la mitad de su sueño de quinientos años?

¿Acaso la mente soñaba algo en aquella sorda tierra de nadie entre la vida y la muerte?>>

The Shining Ones [02:57]: otro tema que no deja de jugar con efectos sonoros y atmósferas, con una melodía de guitarra muy "Oldfiana", aun así, un tema no destacable en el conjunto, pero resultón.

Tubular World [03:24]: nos encontramos ante un tema que no tiene nada que ver con la novela pero que va acorde con el disco, en éste, Mike Oldfield crea su propio mundo inspirado en un videojuego, retoma su popular "estribillo tubular" y lo modifica para la ocasión haciendo uso de todo su arsenal de grabación y edición. Uno de los temas más trabajados en cuanto a sonido y efectos. Más que un autoplagio, diremos que se trata de un homenaje a su obra magna.

Crystal Clear [05:42]: último gran tema de esta gran obra, sobre un fondo muy relajante podemos oir la voz de Mike Oldfield y otras voces sampleadas a ritmo "relax", una preciosa melodía a la guitarra nos va introduciéndo una cuenta atrás citada por el propio Oldfield, esto viene a representar el último despegue de la Magallanes desde Thalassa a Sagan-Dos, desembocando en otra explosión con un sonido muchísimo más Oldfield que en Magellan, es el momento cumbre del "final" del disco.

The Sunken Forest [02:38]: corto, atmosférico pero rebosante de belleza...

Ascension [05:49]: esto es lo que vendría a ser un viaje por los recuerdos. Sería como un aterrizaje y una mirada nostálgica al pasado, retoma el tema principal, Let There Be Light pero con un tono más concluyente, como diciendo: este viaje ha llegado a su fin... pero esto no es el fin, es el comienzo de algo grande... y engancha con otro recuerdo... en este caso Only Time Will Tell en tono más melódico enlazando con el tema principal de la Magallanes (Magellan) y finalizando ese aterrizaje.

A New Beginning [01:33]: cántico breve cantado en swahili, el canto al comienzo de una nueva era... representando una nueva etapa de la humanidad y que mejor manera que suene de la forma más primitiva y humana posible.

Este recorte de prensa pertenece a una colección de artículos de un gran fan, coleccionista y amigo: Jesús Louzán.

RoboCop 2014 TRAILER #3

Ya quedan menos de tres meses para el estreno del remake más esperado (por mí)... de hecho, cualquier escusa para ver una película de RoboCop en el cine me parece buena.

Recuerdo la emoción de cuando lo veía de pequeño en época navideña por la televisión... ese soundtrack y esa fanfarria que tiene por tema principal compuesta por el gran Poledouris. Recuerdo también con cierto cariño cuando fui a ver al cine la tercera parte... la cual volví a ver hace cosa de un año... y prefiero quedarme con el recuerdo de mi infancia. 

Sinceramente, me duele leer críticas de gente que pone a caldo las cosas antes de verlas o escucharlas; esto ocurre con bastante frecuencia en el mundillo de la música y del cine, ya que ahora todo el mundo "es experto" (o se cree que lo es..) en la materia que le gusta, pero juzgar algo, lo que sea, sin haberlo visto o probado, tan sólo teniendo una idea preconcebida de una cosa basada en algo... que imaginas que... ¡¡PERO no si sabes cómo es!!... al menos ten la paciencia, ESO dice mucho de quién hace ese tipo de juicios. Otra cosa es opinar una vez visto, ahí puede gustar más o menos... pero ya entra el criterio y gusto de cada uno. 

Por lo pronto, en el trailer podemos ver que hay dos diseños del nuevo RoboCop, para mi gusto muy logrados. Me parece novedosa la idea de incluir un segundo "traje" negro dándole ese aire de "robot táctico". La idea parece similar a la de Verhoeven... yo creo que respeta bastante la original, salvando las distancias... estamos en 2014, esta película parte de un presupuesto mayor... lo que implica más dosis de acción y lo que supone que la parte dramática y de carácter crítico se vea más afectada. Aun así no deja de ser un remake, una versión, otro punto de vista, una forma de vender una idea a otro público. En este caso la mujer del agente Murphy cobra mayor protagonismo, creo que puede enriquecer otros aspectos que antes no se habían explorado tanto y no por ello la primera deja de ser lo que es... un clásico indiscutible 

¿Por qué criticar y no disfrutar de esta, cuando podemos disfrutar de ambas y  saborear lo mejor de cada una...?

Han pasado 75 años desde la emisión radiofónica de 'La Guerra de los Mundos' interpretada por Orson Welles

El 30 de octubre de 1938, Orson Welles (1915-1985) y el Teatro Mercurio, bajo el sello de la CBS, adaptaron el clásico La guerra de los mundos, novela de ciencia ficción de H.G.Wells, a un guion de radio.

La historia es una adaptación del libro La Guerra de los Mundos . Los hechos se relataron en forma de noticiario, narrando la caída de meteoritos que posteriormente corresponderían a los contenedores de naves marcianas que derrotarían a las fuerzas norteamericanas usando una especie de "rayo de calor" y gases venenosos. La introducción del programa explicaba que se trataba de una dramatización de la obra de H. G. Wells; en el minuto 40:30 aproximadamente aparecía el segundo mensaje aclaratorio, seguido de la narración en tercera persona de Orson Welles, quince minutos después de la alarma general del país, que llegó a creer que estaba siendo invadido.

Orson Welles había adquirido cierto prestigio dramatizando algunas obras como Los Miserables en programas de radio, de modo que en julio de 1938 el Columbia Broadcasting System (CBS) le ofreció realizar un programa semanal en la cadena dramatizando obras. De este modo, Howard Koch, que escribiría más tarde el guion de Casablanca, adaptaba obras como Drácula o El Conde de Montecristo y Welles las interpretaba. En la emisión de La Guerra de los Mundos Welles interpretaba al profesor Pierson, el científico que explicaba lo ocurrido, mientras que también participaba un actor imitando al periodista Carl Philips. La emisión empezaba así: Señoras y señores, les presentamos el último boletín de Intercontinental Radio News. Desde Toronto, el profesor Morse de la Universidad de McGill informa que ha observado un total de tres explosiones del planeta Marte entre las 7:45P.M. y las 9:20P.M

Inmediatamente pasaban a la banda de música supuestamente desde el Hotel Park Plaza, y periódicamente la interrumpían para informar de la ficticia invasión marciana. Una de las intervenciones del personaje Carl Philips desde Grovers Mill, Nueva Jersey, era:

Señoras y señores, esto es lo más terrorífico que nunca he presenciado... ¡Espera un minuto! Alguien está avanzando desde el fondo del hoyo. Alguien... o algo. Puedo ver escudriñando desde ese hoyo negro dos discos luminosos... ¿Son ojos? Puede que sean una cara. Puede que sea...

Los oyentes que sintonizaron la emisión y no escucharon la introducción pensaron que se trataba de una emisión real de noticias, lo cual provocó el pánico en las calles de Nueva York y Nueva Jersey (donde supuestamente se habrían originado los informes). La comisaría de policía y las redacciones de noticias estaban bloqueadas por las llamadas de oyentes aterrorizados y desesperados que intentaban protegerse de los ficticios ataques con gas de los marcianos. Al día siguiente saltaron protestas exigiendo responsabilidades, la cabeza de Orson Welles y una explicación, de modo que el propio Orson Wells pidió perdón por la broma de Halloween, considerada una burla por los oyentes.

La histeria colectiva demostró el poder de los medios de comunicación de masas, y este curioso episodio también catapultó a la cima la carrera de Welles.

El programa duró casi 59 minutos: los primeros cuarenta correspondieron al falso noticiario, que terminaba con el locutor en la azotea de la CBS falleciendo a causa de los gases y seguía con la narración en tercera persona del profesor Pierson, que describía la muerte de los invasores.

Fuente: Wikipedia

¡¡Man On The Rocks próximo disco de Mike Oldfield!!

 ESCUCHA UNA PRIMICIA DE MAN ON THE ROCKS
click AQUÍ (35 segundos)

Caroline Monk hace oficial en la página de facebook de Mike Oldfield que el 27 de enero de 2014 tenemos un nuevo (y prometedor) album, con invitados de lujo.

Virgin EMI are delighted to announce Mike Oldfield's first album of new material since 2008. Featuring 11 brand new tracks, MAN ON THE ROCKS is a deeply personal song-based album that reflects many of Mike's different influences. Recorded in the Bahamas, Mike's 25th studio album has been produced by Mike with legendary British producer Stephen Lipson (Jeff Beck, Paul McCartney, Annie Lennox). Man On The Rocks features players such as legendary bassist Leland Sklar (Phil Collins, Crosby, Stills & Nash, James Taylor) and drummer John Robinson (Michael Jackson, Eric Clapton, Daft Punk). Although Oldfield has worked with some of the world's most famous vocalists in the past, here he has found an incredible young talent to interpret his words, Luke Spiller from the Struts.

Its working title, 'Rock' emphasises the album's directness, heard especially on the guitar-driven 'Irene', inspired by the category 3 hurricane that hit the Bahamas in 2011. However, it is – as you would expect from the man who gave the world Tubular Bells and so much more besides – an album of great variance and contrast; from the commercial punch of opening track, ‘Sailing’, to the beautiful folk-influenced ‘Dreaming In The Wind’ to the emotional gravitas of its closer, a cover of William McDowell’s gospel song, 

‘I Give Myself Away’.

Last seen performing at the personal request of Danny Boyle to a global audience of 900 million at the London 2012 Olympics Opening Ceremony, Man On The Rocks underlines Mike Oldfield's status as one of the most singular talents to ever emerge from the UK. The recent 2013 BBC 4 Documentary . . . plus Tubular Bells – the story of Mike and iconic album – further enforces that fact.

" It has been a pleasure making Man On The Rocks with such a dedicated team of performers," says Oldfield. “For a long period, I felt that I wasn’t going to record any new music again. But, after the elation of the Olympics and the explorations of my catalogue, I felt the time was right to return with this, one of my favourite albums to date.”

Man On The Rocks will be released on 27th January 2014

Mike and Universal are still discussing content for a special deluxe edition that will follow. We have some really great ideas; Knowing you are such inventive, supportive friends, we’d like to ask you for your ideas for what you too would like to see included in the set – within reason, of course! If you could let us know by November 1st, we may incorporate the best of your suggestions!

In the meantime here are the links to amazon for the CD, the vinyl and there will be a coloured vinyl coming through www.mikeoldfieldofficial.com

Standard CD – 00602537606955

Sailing
Moonshine
Man On The Rocks
Castaway
Minutes
Dreaming In The Wind
Nuclear
Chariots
Following The Angels
Irene
I Give Myself Away

ॐ मणि पद्मे हूँ (oṃ maṇi padme hūṃ)

Om mani padme hum, es probablemente el mantra más famoso del budismo, formado por seis sílabas del bodhisattva de la compasión. El mantra se asocia en particular con la representación de cuatro brazos Shadakshari de Avalokiteshvara. Se dice que el Dalái Lama es una reencarnación de Avalokiteshvara, razón por la cual el mantra es particularmente venerado por sus seguidores.

Significado e interpretación:

Los mantras son interpretados de varias maneras por sus practicantes, o simplemente como meras secuencias de sonidos cuyos efectos caen fuera de una posible definición estricta. Aunque este mantra en muchas ocasiones se traduce como "la joya en el loto", en otras se traduciría como "Om la joya en el loto Hum."

Un practicante podría expandir el significado del mantra, determinando por ejemplo que las seis sílabas representan la purificación de los seis reinos de la existencia:

Sílaba	Seis Paramitas	Purifica	Reino Samsárico	Colores	Símbolo de la Deidad	(Desearles) Que nazcan en
Om	Meditación / Dicha	Orgullo/ego	Deva	Blanco	Sabiduría	Reino Perfecto de Potala
Ma	Paciencia	Envidia / Lujuria por el entretenimiento	Asura	Verde	Compasión	Reino Perfecto de Potala
Ni	Disciplina	Pasión / deseo	Humano	Amarillo	Calidad y actividad del cuerpo, habla y pensamiento	Dewachen
Pad	Sabiduría	Estupidez / prejuicio	Animal	Azul	Ecuanimidad	En la presencia del Protector (Chenrezig)
Me	Generosidad	Pobreza / deseo de poseer	Reino de los Pretas	Rojo	Dicha	Reino Perfecto de Potala
Hum	Diligencia	Agresión / odio	Reino Naraka	Negro	Calidad de Compasión	En la presencia del Trono de Loto (de Chenrezig)

El XIV  Dalái Lama escribe así sobre el mantra:

"Es muy bueno recitar el mantra Om mani padme hum, pero mientras lo haces, debes pensar en su significado, porque el significado de sus seis sílabas es grande y extenso... La primera, Om [...] simboliza el cuerpo, habla y mente impura del practicante; también simbolizan el cuerpo, habla y mente pura y exaltada de un Buddha[...]"

"El camino lo indican las próximas cuatro sílabas. Mani, que significa "joya", simboliza los factores del método -- la intención altruista de lograr la claridad de mente, compasión y amor.[...]"

"Las dos sílabas, padme, que significan "loto", simbolizan la sabiduría[...]"

"La pureza debe ser lograda por la unidad indivisible del método y la sabiduría, simbolizada por la sílaba final hum, la cual indica la indivisibilidad[...]"

"De esa manera las seis sílabas, om mani padme hum, significan que en la dependencia de la práctica de un camino que es la unión indivisible del método y la sabiduría, tú puedes transformar tu cuerpo, habla y mente impura al cuerpo, habla y mente pura y exaltada de un Buddha[...]"

Fuente: Wikipedia

Osvaldo Loisi

El I Ching nos invita a un recogimiento interior, un encuentro que nos abrirá la mente porque nos muestra una racionalidad tan distinta a la nuestra que nos permite hacer comparaciones y de la comparación siempre sale la luz.

Survival Knife JJ.sk1 de CUDEMAN

Una imagen vale más que mil palabras...

JJ.sk1 (JJ. Adventure Survival Knive 1)

Fabricado en acero böhler N695

Largo total 235 mm (117 mm de hoja y el resto de mango).

Vaciado cóncavo de 17 mm de altura 

Espesor de hoja 5 mm

...y unos vídeos valen más que mil imágenes...

Post dedicado a Juanjo de JJ.Adventure por su gran labor y dedicación en la materia de la supervivencia, aquí os dejo un enlace a su blog: JJ.Adventure

Coraje no es luchar sin miedo... sino levantarse en cada caída.

West West (2013) [The Fractal Sound]

Ante una obra de tal magnitud, un servidor (que hace tiempo que no actualiza el blog) saca tiempo de dónde puede para agradecer al mundo (y compartir con él) el poder tener oídos y deleitarse con semejante hazaña musical... MADE IN SPAIN (más concretamente en Zaragoza).

Empezando por la portada uno ya no queda indiferente... a mí personalmente me recuerda (por tomar una referencia) al artwork de grupos de la talla de Portishead o Massive Attack. Profundizando un poquito más... el libreto ¡es fantástico! en vez de encontrarnos con las letras o con una simple ristra de créditos, podemos observar el espectro de sonido de cada una de las canciones a modo de letra... algo que desde el punto de vista que lo han enfocado me parece atractivo y novedoso. La verdad es que la estética está muy cuidada y muy bien trabajada... y mi reflexión es la siguiente, si han trabajado tanto el exterior... ¿cómo será el interior? pues señores... la respuesta seguro que no les defraudará.

Me pongo los auriculares, pongo la luz de manera que mi vista se relaje y le doy al PLAY...

...me temo que no he salido todavía de mi asombro, cada vez que lo escucho es una nueva experiencia llena de matices y me parecería injusto catalogar las canciones en un sólo estilo y "castigarla" con una opinión... cuando este disco lo que pide es que se le escuche, que se le disfrute... y disfrutar implica no tener prejuicios. Sinceramente, no es bueno esperar nada de él, éste es mi consejo (para tí): déjate llevar por su musicalidad y regala a tus oídos 43 minutos de placer... invito a todo lector que pruebe un poco de esta pócima musical y que sea el propio lector el que descubra cada uno de los CLÍMAX... y que se sorprenda por sí mismo, es un disco hecho para experimentar y disfrutar.

Ya lo dice bien el texto del interior: Music to be played as loud as possible.