No me considero un amante de la música clásica, pero tampoco un detractor. De hecho a la música clásica y más en concreto a Mozart, le debo mi inquietud por la música menos popular y quizá algo más "elitista" (por así decirlo). Pero no quiero sonar incongruente porque el AOR (por ejemplo), género que me fascina no deja de de ser "Art Pop"; pero el contexto (en mi caso) es diferente, no es lo mismo escuchar algo Pop (entendiendo el término 'Pop' como 'popular', 'comercial', 'radiado'... ) en el momento que surge (en su contexto), que décadas después, donde se despierta un sentimiento de nostalgia, la gente ya se ha olvidado de su existencia, y se retoma de otra manera muy distinta, es algo más personal y enriquecedor, ya que no es 'un algo' por lo que te dejas llevar (la gran masa), sino que forma parte del desarrollo de la personalidad de encontrarse a uno mismo. Pero volvamos al tema que nos ocupa, en este caso la música clásica y minimalista creada por este GENIO contemporáneo. Me atrevería a decir que es 'el Mozart', 'el Bach' o 'el Beethoven' de este siglo... capaz de hacer sentirnos con sus melodías algo que tan sólo unos pocos consiguen, es más, Ludovico Einaudi ha conseguido acercar esta música a más gente a través de su sencillez (incluso a jóvenes).
Durante la escucha de Elements, Ludovico nos mantiene con la emoción, la tensión, la intriga... juega con nuestros sentimientos y va dibujando con sus notas nuevas maneras de hacernos vibrar a la misma frecuencia de su creación y fusionarnos en ese momento de placer y en esos MOMENTOS (clímax). Night es un tema que denominaría: 100% Einaudi, de hecho es un ejemplo de este concepto de renovación que comenta Einaudi en algunas de sus entrevistas, de evolución... tomando elementos conocidos y desarrollándolos, dándoles vida y madurándolos con el tiempo como si de elementos vivos se tratasen... quizá la mejor manera de mantener viva su música.
No quiero comentar el disco tema por tema ya que no me siento capacitado para analizarlo todo cómo se merece, pero si quiero compartir alguna idea que me sugiere, por ejemplo hay una especie de cortes que actúan como marcadores de una pieza musical completa creando ese concepto de 'sección musical': Preticor sería como el interludio y que daría paso a la primera sección compuesta por nada menos que Night, Drop, Four Dimensions y Elements. Las cuatro son sensacionales pero Night quizá sea la más "agradecida", Drop la más misteriosa, Four Dimensions la de melodía más sensible y frágil, probablemente una de las que más ha ganado para mi con las escuchas, una canción de un gusto y una delicadeza magistral, antesala de la que da nombre al album, Elements, comienza con un ritmo de guitarra muteado al que se le van sumando cada uno de los instrumentos, es la más enérgica del disco, un tema soberbio y con mucho carácter, elegante a la par que majestuosa y con un crescendo y una intensidad que te hace contener inconscientemente la respiración provocando cierta tensión involuntaria durante la escucha y que se resuelve en forma de suspiro al finalizar el clímax, liberándonos de toda tensión acumulada durante estos intensos 6:06 min. Elements es la que marca ese final de sección. La siguiente sección comienza con Whirling Winds y termina en Logos. Esta primera suena dramática frente a Twice, que es la canción que la sucede. Personalmente me parece un joyita, me evoca el sonido del paso del tiempo a nivel intelectual, podría ser la banda sonora de la evolución de un investigador, un científico, un matemático... esas horas de investigación, ensayos prueba-error, pero desde una perspectiva productiva. Twice suena a inversión de tiempo y a trabajo productivo. Después viene ABC, un tema 100% clásico y con cierto carácter intimista. Numbers es otro de esos que destaca por su sencillez y delicadeza... sería como la sucesión de Twice, y el fruto de ese trabajo... Decir que Mountain es como un tema puente sería quitarle méritos y protagonismo, personalmentelo veo como una transición, pero realizada con tan buen gusto que cada vez que la escucho me atrapa. Logos sería el siguiente marcador y final de sección, otro tema que termina de la manera más enérgica que le es viable, un tema que comienza con el silencio y la sección de cuerdas se encarga de tomar las riendas tomando el protagonismo y la fuerza para terminar en la cumbre y dejarnos ahí arriba... Song for Gavin se encarga de bajarnos lentamente con el sonido de la inocencia y dejarnos en tierra firme de nuevo.
"LA EXPERIENCIA": Elements Tour 2016
El pasado día 13 de abril de 2016 tuve la suerte de presenciar en directo uno de los mejores espectáculos a nivel auditivo que he escuchado en mi vida. A pesar de mi cansancio, en aquel momento Ludovico Einaudi logró mantener mi atención al 200%, cada mínimo detalle, cada nota, cada silencio... TODO transmitía y me mantuvo vivo, disfrutando de un pleno 'AHORA'. Nunca imaginé que la música de Ludovico en directo iba a provocar en mí semejante impresión.
Final del concierto y gran ovación del público. GRAN concierto.
Al final del concierto tuvimos la oportunidad, mi acompañante y yo de tomarnos una foto con el maestro y de conseguir mis codiciados autógrafos. Fue curioso porque al salir del concierto pensé que fue más que suficiente y no tenía la necesidad de saciarme con nada más, pero buenacrema me incitó a plantearme por dónde podría salir Ludovico y así conseguir aquello que propuse para el 'after concert', así que pensé un lugar lógico y nos aproximamos, justamente un grupo de 4 personas se dirigía al mismo lugar (parecía que sabían lo que hacían), evidentemente conocían a alguien del 'Staff' y nos pudimos colar con ellos y... "meternos hasta la cocina".
Joyitas musicales firmadas por el maestro Einaudi.
[ENTREVISTA] Ludovico Einaudi: “Repeticiones existen incluso en un preludio de Bach”
P.Elements, ¿marca un punto y aparte en su creación?.
R. Es una nueva reflexión, en la línea en que acostumbro a acometer cada proyecto. Esta vez, tratando de establecer un paralelismo con la arquitectura. Más concretamente, con arquitectos que en su momento hicieron un modelo de edificios con una tipología en torno al mismo esquema. Arquitectos que reflexionan profundamente todo lo que hacen, y en cada ocasión se plantean preguntas como por qué una ventana debe tener determinada forma o cuál es la función de un espacio o de un elemento determinado. En cierto modo, me parecía la ocasión para centrarme en preguntas que se habían planteado otros, en ocasiones de forma muy distinta. Me he sumergido en lecturas de textos como el libro de KandinskyPunto, línea y superficie, donde analiza los fundamentos del lenguaje pictórico partiendo del punto en la pintura para, seguidamente, vincularlo con la escritura. Estableciendo hasta una relación con la música, cuando dice que el punto es un momento en el que terminan las palabras y comienza el silencio. A partir de ahí me centré en la observación de la tabla periodica de elementos, intentando comprender el orden de las materias de las que está hecho el universo, del que formamos parte. Por ultimo, me interesé por los escritos sobre la geometría de Euclides. Incluso por la teoría de Empédocles cuando, a través de una especie de fábula mitológica, describe el combate entre los elementos que tuvo como resultado la creación del mundo…
P.Planteamientos muy profundos.
R. Siempre me han interesado aquellos pensadores, escritores y artistas del pasado que han tenido que ver con lo que hago. Que se han interesado de manera distinta por las mismas cuestiones sobre las que pienso hoy. Cada vez que he tenido una idea, me he planteado quien había reflexionado del mismo modo o mejor. Procediendo de esa forma, se abre ante tí un mundo en el que explorar y experimentar a través de visiones y pensamientos distintos a los tuyos, probando cómo trasladar a la música cosas que no pertenecen a ella. Como hizo el arquitecto Renzo Piano al diseñar un eropuerto para Osaka a partir de un dibujo con la forma de una ola. O lo que es lo mismo, concibiendo su arquitectura a partir de la transcripción de una forma natural. Siempre me ha parecido interesante la transmigración de un elemento a otro; de una idea a otra. Me lleva a hacerlo mi formación humanística. Como mi cabeza funciona así, me gusta ver el mundo con perspectiva de 360º. Estableciendo una relación global; no solo en mi campo específico.
(...)
P.Se dice que el minimalismo consiste en dar con un tema pegadizo y repetirlo una y otra vez. ¿Existe una fórmula? ¿Es cuestión de oficio? ¿de artesanía?
R. No existe fórmula como tal. Ahora que claramente hay “minimalismo y minimalismo”. Las primeras experiencias de Philip Glass y su entorno estaban unidas al hecho de experimentar sobre la idea de la repetición de algo que se expandía de un modo lento y gradual. Pero ellos mismos acabaron por alejarse de aquello. Personalmente, nunca pensé en la música de ese modo. Aunque debo decir que las repeticiones existen incluso en un preludio de Bach. En algunos de los que escribió aparece una figura que se repite, y en ella encontramos las variaciones armónicas en continua evolución. Las repeticiones forman parte también de la arquitectura en las grandes misas del pasado basadas en el cantus firmus. La música está llena de rondos, de repeticiones a través de las cuales anclamos la percepción en determinados elementos. Algunos compositores de la vanguardia apostaron por la variación continua, y el carecer de cualquier referencia perceptiva dificultaba las cosas a la hora de recordar una pieza de esa naturaleza. Para mí es una necesidad física contar en mi música con una serie de elementos que retornan. Pero no se trata de repetirlos de modo automático.
#UrbanCityNightMusic es el nombre de la etiqueta con el que encasillo este tipo de música, The Blue Nile grabó en 1989 su obra maestra, un disco ninguneado en su época y considerado ahora una de las grandes obras maestras de la década de los 80s.
La primera vez que me enfrenté a este disco fue por recomendación de un amigo AORero y conociendo mis gustos, auguró sin ningún tipo de duda que me iba a encantar este disco, ya que éste es uno de los discos favoritos de Hogarth (cantante de Marillion, una de mis debilidades y de Miguel Bosé, cantante al que tengo un profundo respeto a pesar de su trayectoria "irregular", lo dejaré estar ahí...).
El mismo color de la portada ya nos transmite ciertas emociones: un azul oscuro similar al de un cielo anocheciendo que evoca cierta sensación de calma.
Son tan sólo 38:26 min de duración, la primera vez lo escuché de tirón. Durante la escucha tuve una sensación de homogeneidad absoluta, como si se tratase de una pieza musical compuesta por un corte. Ninguno destacaba sobre el otro. Se me abrió otro mundo dentro de todo lo que había escuchado hasta ahora... el "dream-pop", "soft-pop"... Música de una elegancia, sutileza, y exquisitez tales que me parecía algo inigualable, cualquier adjetivo con el que intente expresar la pulcritud de la obra se quedará corto.
Over the Hillside, arranca cual paseo nocturno, a ritmo muy pausado y cierto carácter intimista. A esta apertura le sucede Downtown Lights, quizá el tema más conocido del álbum, alcanzó el puesto número 10 en la conocida Billboard Hot Tracks a principios de 1990. La "serenata de paseo nocturno por la ciudad" se va sucediendo con total naturalidad, una canción tras otra sin romper ninguna el ritmo ni la coherencia. La siguiente es Let´s Go Out Tonight, resulta una delicia a los oídos, crea una atmósfera de una belleza singular, es como una burbuja de intimidad entre la música y el oyente. Todos y cada uno de los pasajes musicales transmite paz y serenidad, la música discurre a través del oyente a la par que fluyen diversos parajes nocturnos en nuestra mente, ciudades desconocidas pero acogedoras, con sus calles iluminadas por una tenue y amarillenta luz... aceras con charcos, producto de una lluvia reciente... incluso se puede percibir la quietud de la noche y la humedad del ambiente. En resumen, nos está contagiando la magia de la ciudad nocturna y digo magia porque a pesar de la cadencia del sonido y la melancolía... no deja de transmitir un sentimiento de optimismo y romanticismo por la urbe nocturna, un ejemplo claro lo tenemos al escuchar Headlights on the Parade tiene un sonido más luminoso que las anteriores. From a Late Night Train, retorna al sonido de la soledad que dejan las estaciones vacías y a las... Seven A.M. nos deleita con algo más electro-pop (por decirlo de alguna manera), es uno de los temas que más dista del sonido global del álbum, aunque para nada desentona con el resto. Hay algo que me gustaría destacar y es el groove de bajo junto a ese rasgueo final de guitarra que le da un sonido funky... además del contraste con los teclado y sonidos excesivamente artificiales de fondo (pero muy acertados). Todo este conjunto de elementos hacen de esta canción la más interesante para mi gusto. Con Saturday Night, llegamos al colofón de la serenidad musical... la guinda del pastel, un disco de diez, un disco redondo (nunca mejor dicho), un disco para escuchar de principio a fin como si de un tema se tratase... y como bien he leído en alguna crítica sobre el disco, he decidido condensar la esencia del disco en una frase: Hats, es el disco nocturno por excelencia. La noche en vela más hermosa que podamos escuchar.
Beautiful Friction es uno de esos "residuos musicales" comentados en el post anterior, de nombre homónimo al disco que pertenece. The Fixx es otro de esos grupos que he descubierto producto del visionado de la magnífica serie Miami Vice. He aquí la escena (con una calidad un poco baja).
I'm Life - Calm Animals (1988) [The Fixx]
Escena final en "Over The Line"
Episodio 15 de la 5ª temporada
Beautiful Friction es un tema que rebosa de elegancia y tiene un estribillo MUY pero que MUY pegadizo... al menos yo lo percibo como tal y por ello comparto. La banda ya está "madurita" y quizá ese es el motivo de que no suenen tan new wave, ni tan rock como antaño, aun así, me tiene totalmente embelesado.
Residuo Musical es aquella melodía que queda grabada en la cabeza de aquel individuo que ha escuchado un hit que vibra a su misma frecuencia anímica y se repite más de 1000 veces sin darle otra vez al PLAY, lo peor es que no existe el STOP... así que simplemente debe disfrutar del residuo hasta agotarlo... ^^
Este comienzo de 2016 ha comenzado fuerte con este fenómeno y de momento dejo el "residuo" que más me está afectando (llevo casi 4 días sin parar), posiblemente edite el post incluyendo el resto. Eso, o los iré posteando en sucesivas entregas. =)
BLACK / WHITE (1985) - Mr.Mister
Love is so strange, how we change from day to night
Love is so strange, how we change from black to white
Esta canción merece un post ya que "se ha colado" en mi lista de grandes éxitos (la cual debería actualizar gracias a este descubrimiento).
Casualmente esto sucede como resultado de una cadena de (afortunados) descubrimientos musicales: descargué una app cuya música llamó mi atención y eso me llevó a descargar la app bandcamp, la cual recomiendo encarecidamente ya que hay MUCHÍSIMA música de artistas con gran talento que apenas son conocidos, en esta app mi gran descubrimiento fue un tal Betamaxx, autor de un synthwave de gran calidad, sus composiciones son dignas del más puro estilo/sonido ochentero. Por otro lado, la aparición del corto Kung Fury, cuyo hit True Survivor es cantado por David Hasselhoff (esto merece otro post a parte jajaja). Pues bien, en este corto se puede escuchar en una de las escenas uno de mis temas favoritos de Betamaxx, al igual que el corto es un homenaje al cine de los 80s, la música va acorde y le va como un guante. A los pocos días apareció la banda sonora de dicho corto, vinilo del single, etc... el 30% de la banda sonora (si no es más...) está compuesto por un tal, Mitch Murder, lo que me llevó a seguirlo en la app de bandcamp y a su vez éstos por seguir a Betamaxx y Mitch Murder me hicieron una serie de recomendaciones que me llevaron a TimeCop1983.
Tonight fue inicialmente un tema synthwave instrumental que apareció en el EP Waves (2014), pero que en este 2015 ha evolucionado a un tema synthpop. En él ha colaborado un tal BackInTheFuture, el nombre artístico del individuo no me parece extremadamente serio ni comercial, quizá demasiado amateur, pero no por ello es un tema de menor calidad. Es una canción perfectamente producida y arreglada (suena como debería sonar un tema de hace tres décadas), la voz no tiene nada que envidiar a muchos de los cantantes ya consolidados y el desarrollo de la misma me parece perfecto.
El sythwave/synhtpop que se hace en la actualidad es un estilo musical dirigido a una minoría que se resiste a olvidar aquella época de inspiración, innovación y experimentación... una época atrevida y hasta cierto punto algo hortera y edulcorada, pero a pesar de ello la recuerdo como una de las décadas con más encanto. Tonight es un regalo a los oídos de un nostálgico como yo. Se trata de un medio tiempo con "carácter nocturno", una canción con cierto aire romántico (pero no romántico en el más estricto sentido de la palabra), hablo de un romanticismo por el sonido, la época que nos evoca... aun así no deja de tener ese otro romanticismo, la letra:
Lyrics written by Cory Cook and Christopher Homage.
Winner Takes It All de Sammy Hagar, es para mí el ejemplo perfecto de cómo influye la música en la condición física y mental. Sylvester Stallone lo mostró en cada una de sus películas... yo esta semana lo he comprobado.
Ejemplo de cómo se puede sacar aliento de donde parece que no queda y de cómo se puede terminar algo que parece interminable, superando "la derrota mental" con tan sólo unas notas musicales.
Y no me lo invento:
La música puede aumentar el rendimiento en un 15% y reducir la sensación de esfuerzo en un 10%, según un estudio reciente.
EN LA LÍNEA DE FUEGO es lo último que he leído: un libro de 22 capítulos que me ha llevado leerlo 22 "ratillos", que no 22 días, eso son muchas horas, el libro se hace MUY cortito, lo he degustado en 22 idas y venidas de transporte público (¿22 horas?) apurando los minutos entre trabajos y lecturas obligadas de mis estudios. Hoy muy a mi pesar lo he terminado... =( pero... ME HA ENCANTADO =)
Un libro muy ameno e ilustrativo (con él, he logrado adquirir conocimiento parcial de un lenguaje tan técnico y específico que no habría imaginado hace unos meses tener en mi cabeza en tan poco tiempo). Ernesto Pérez Vera hace MUY bien en escribir un libro como este, consigue transmitir perfectamente tanto a la gente de a pie que no sabe del tema, como a cualquier profesional de las fuerzas de seguridad, las dificultades de la profesión: tanto a nivel de calle como a nivel interno (ya sea emocional, en el trabajo, o en sus relaciones con la familia, con los compañeros y superiores).
El libro consigue dosificar información técnica a lo largo de los capítulos de tal manera que sin resultar excesiva, el progreso en el aprendizaje del lector es constante (al menos esa ha sido mi percepción como lector "de a pie", he pasado de no saber absolutamente nada a darme una sensación de cierto conocimiento, gracias al cual me veo preparado para abordar otras lecturas del estilo sin temor a perderme).
Por cierto, cuando leí que uno de los capítulos el protagonista era el propio autor: Ernesto... no imaginé que sería: TUVE QUE REPTAR VARIOS METROS... ¡flipé! hay varios capítulos que superan la ficción... y uno es ese.
Desde aquí simplemente decir: Ernesto, enhorabuena por tu libro, y por compartir tantas experiencias y conocimientos, espero que llegue a mucha gente y que haga reflexionar a cada uno de ellos.
PD: ¿para cuando la segunda parte? (porque esto da para tantos libros como experiencias y siempre se aprenderá algo nuevo).
A veces la pérdida de un miembro puede suponer un problema, en cualquiera de los sentidos. Pero hay personas que ante las dificultades no se amedrantan y siguen adelante, esto es lo que ha ocurrido con la banda de Zaragoza, The Fractal Sound, ante la baja de su guitarrista han quedado... ¿indefensos?, pues sorprendentemente han sabido ADAPTARSE y EVOLUCIONAR... ¡y de qué manera!.
Cuando comenté su primer trabajo West West no me quise mostrar, prefería no influir subjetivamente (aunque lo digo ya, tenía mis claras vencedoras: Blood Drops, Helium (Superfluid) y Two Paned Mirrors... esto no significa que sean las únicas que merecen la pena, significa que personalmente me emocionaron de sobremanera y no quería expresar ese asombro en perjuicio del resto...).
Con este nuevo trabajo me ha ocurrido lo contrario... no he sido capaz de encontrar mi tema preferido ni el más sobresaliente, ¡¡ME ENCANTA DE PRINCIPIO A FINAL!!
La producción sigue siendo exquisita y aquellos fans del sonido electrónico (sin dejar de lado lo analógico) están de suerte. Creo que hará las delicias de los fans de grupos como Massive Attack, Moderat, Apparat, Aphex Twin, Tame Impala, Plaid, Vitalic y otros tantos.
El disco tiene un GRAN DEFECTO y es que ¡¡¡SE HACE DEMASIADO CORTO!!! salvando eso creo que una vez puesto en el reproductor la mejor solución es pulsar el REPEAT ALL y dejarse llevar.
Voy a decir algunas impresiones que sirvan como "guía", aviso: como es lógico, mi opinión (totalmente subjetiva) queda supeditada a mi experiencia personal durante la representación en directo del disco y mis gustos.
Event7 y Reshuffled son la introducción perfecta al disco, bastante ambientales, pero no exentas de ritmo... quiero decir, ambiental no es sinónimo de relax y aburrimiento, en este caso es sinónimo de atmósferas muy trabajadas, ruiditos, chismes, sorpresas... y sobretodo buen gusto. Imposible no caer rendido ante tal encantamiento sonoro.
Separate Fears y Months Of Calm son la maquinaria pesada del disco y quizá la parte que en directo más me impactó, hubo un momento que me vino a la cabeza la banda sonora de Daft Punk, TRON: Legacy. Conserva un ritmo contundente, pesado y algo sucio (como el rock industrial de Nine Inch Nails en Ghosts I-IV) hay una evolución melódica que termina en un clímax ESPECTACULAR tiene un punto de tema techno bailable... repito, sorprendente la evolución de estos chicos.
On the Sad Height es un tema elegante y delicado, el respiro a ritmo de ¿electro-jazz? que pide el cuerpo, en este momento podemos estar hablando de una pieza musical del nivel de Protection de Massive Attack. Las comparaciones son meramente ilustrativas... pero sinceramente, no tienen nada que envidiar a estos grandes del trip hop... es lo más parecido que se me ha venido a la cabeza.
As In A Trance cada vez que lo escucho me embarga un sentimiento de optimismo y nostalgia por la década de los ochenta que no sé si era lo que buscaban o es lo que yo quiero ver, pero me emociona... me suena a una intro bien desarrollada de una serie de aquella época. En determinado momento nos encontramos con un cierto toque melancólico que intenta contrarrestar ese estribillo tan festivalero y que le da ese punto de sobriedad.
A estas alturas el disco todavía no se puede conseguir en formato físico pero en estas semanas es probable que se haga un crowdfunding para poder editarlo físicamente, supongo que en formato digital estará al caer. De momento fuimos unos pocos los afortunados, los que asistimos al concierto de inauguración y con la entrada obtuvimos un código de descarga para así obtener las canciones desde su página web.
Sinceramente, todo un lujo dentro del panorama musical nacional, lástima que sólo lo aprecien unas minorías.
Bienvenidos una vez más a otra nueva lista, ésta se ha ido gestando a lo largo de los años y continuará haciéndolo mientras dure (yo). Inicialmente este post se iba a llamar My Soundtrack (en 25 "instantáneas") ¿Por qué 'my soundtrack'? pues porque poner mis 25 favoritas me parecía aburrido... ¿y por qué 25 canciones? porque 10 era imposible y 50 son muchas... y así podríamos seguir sin decir nada totalmente convincente, porque al fin y al cabo una lista no trata de convencer... lo que convencen son los argumentos (personales) para uno mismo y para los demás tan sólo es mostrar un pedacito de nuestro alma en ese momento... aunque en este caso no se trata de una instantánea del momento sino de mis instantáneas favoritas hasta la fecha, así que ¡allá voy!.
ÚLTIMA HORA ¿Por qué he cambiado el nombre? si llegas al final lo sabrás (una pista: la imagen del post) :P
Mike Oldfield - Far Above The Clouds [1998]
Empiezo esta selección con uno de los pocos temas instrumentales que hay, no porque no me guste lo instrumental sino porque lo he considerado como una restricción, tan sólo he incluido los más imprescindibles.
Far Above The Clouds me abrió las miras a un nuevo mundo (por fin supe de dónde salía ese sonido tan característico de Mike... venía principalmente de una Fender Stratocaster y una PRS y pude "ponerles cara").
Fue el recuerdo de 'piel de gallina' que mejor ha perdurado en mi memoria a lo largo de los años. Todo gracias a esa retransmisión en TVE2 de la premiere del Tubular Bells III. Por aquel entonces aluciné y cada vez que lo escucho lo sigo haciendo. Si tuviera que elegir mi canción favorita quizá sería esta... pero como bien leeréis más adelante, hay una que es la que considero 'La MEJOR canción' (intentando valorarla lo más objetivamente posible con mi criterio... es decir que es todo más subjetivo que ni sé). ¿Por qué no le doy el galardón a esta canción? por carecer de parte vocal... soy defensor de la música instrumental a ultranza, pero cuando hablo de 'mejor canción', entiendo también que debo considerar que ésta contiene una letra... y Far Above The Clouds se queda coja en ese aspecto.
Tras la introducción de Greta Oldfield... y escuchar los latidos de corazón cual calma que precede a la tormenta (en este caso tubular), se avecina el apoteosis musical a ritmo de una percusión que nos debería recordar a la ya usada en Ommadawn ('guiño al pasado' 1) y guitarreos 100% Oldfield (¡¡vaya sonido le saca a la PRS!!)... para terminar, Oldfield finiquita el tema con un riff de bajo ya de sobras conocido ('guiño al pasado' 2). En definitiva... TEMAZO.
En el vídeo anterior después de sonar el Big Ben... podemos ver a un personaje muy especial en la vida de Oldfield, al multimillonario Richard Branson.
Tratándose de mi CANCIÓN FAVORITA (extraoficialmente hablando) pongo otro vídeo que desconocía y me ha encantado (el audio sí que me sonaba haberlo escuchado hace unos años).
John Van Tongeren - No Guts No Glory [1986]
¿Piel de gallina? No lo sé, pero lo que si que tengo claro es que antes de que empezasen los dibujos ansiaba el momento de los créditos iniciales porque alucinaba con las naves espaciales y la chulería del rock ochentero (en su momento, sofisticado y futurista) que desprendía esta canción...
Aproximadamente por el año 2005 indagando por internet conseguí recordar el nombre de la serie y descargar el archivo mp3... rebuscando por foros me enteré que el tema fue compuesto por John Van Tongeren y que se grabaron varias canciones para esta serie de dibujos animados a cargo de bandas de AOR (Album Oriented Rock, Adult Oriented Rock, Album Oriented Radio... en pocas palabras rock comercial para poner por la radio). Y una de las bandas que grabó para esta serie fue FM que precisamente descubrí a través de esta canción y que luego hablaré de ellos.
No Guts No Glory es muy significativa para mí porque subconscientemente me introdujo y contagió el gusto por un estilo musical que años después descubriría que se cataloga como AOR.
Es un tema rockero, potente, directo, con teclados muy de la época y simple. ¡Para un enano de 5 años era... ALUCINANTE!.
Journey - Separate Ways (Worlds Apart) [1983]
AOR 100%. Quizá para mí el tema AOR por excelencia y la que me inició "profesionalmente" en la búsqueda de más grupos (hoy por hoy) "descatalogados". La descubrí bastante tarde, en el cine viendo TRON: Legacy... MOMENTAZO en el que el protagonista desempolva las recreativas y empieza a sonar esas notas de teclado mientras que guitarras y batería marcan ese ritmo tan pesado que desemboca en uno de los estribillos más efectivos, AOReros, ochenteros, ¿futurista?... pero que ahora suena casi retro y no quiero decir chulesco... porque ya lo he dicho, PERO ES QUE ME ENCANTA.
¡QUE RETRO...! una pena pero LAS RECREATIVAS YA SON HISTORIA
FM - Let Love Be The Leader [1986]
Pa-pam! (batería)
Intro de Didge Digital (teclista)
Oh Waoh oh!
oh waoh oh! (Steve Overland a los coros)
Con esta introducción si no me hubiera inmutado al escucharla por primera vez, cualquiera que me conociese podría afirmar que soy un replicante y posteriormente esa persona tendría 'licencia para retirarme', la verdad es que estoy hablando en términos muy de.... especialista de la subcultura (frikazo en toda regla), vamos que estaba haciendo una referencia gratuita a Blade Runner.
Vuelvo al tema. La canción comienza con un cierto aire a Separate Ways de Journey PERO en seguida se le pasa y suena "muy distinta". ¿Dije que la anterior era el tema AOR por excelencia? SÍ, pero no dije que era mi favorito xD y la verdad es que decir cual es mejor cuando los dos son los mejores, es complicado.
El mérito de esta canción reside en que es un tema AOR de una banda inglesa (suena tan americano como el 90% del AOR que se puede escuchar) y además es una cara B. ¿Descarte? ¡¡¿POR QUÉ?!! en los ochenta las caras B a veces eran tan buenas o mejores que temas del propio album al que promocionaban... el mundo de la música era otro rollo.
FM (es una banda AOR liderada por Steve Overland) esta banda la descubrí gracias a la banda sonora de los dibujos animados de mi infancia (Galaxy Rangers).
La letra, como muchas de estas canciones del género (AOR), trata sobre el amor, pero más que desde el punto de vista del sentimiento, lo hace desde el flirteo... ya que es una música cuyo público es: "Adult" (Oriented Rock) ¿dije en algún momento la palabra chulería?.
Listen to your heartbeat, listen
It's gonna tell ya just love me
Listen to your heartbeat, listen
It's got something to say
Let love be the leader
Let it take control of your mind and your body
It's a leader
I'm following you
Foreigner - A Night To Remember [1987]
Cuando se habla de bandas AOR por excelencia, una de ellas es Journey y la otra es ESTA (Foreigner). ¿Cual es mejor? ¡LAS DOS! (el ejemplo comparativo sería: Led Zeppelin Vs. Deep Purple). Hay canciones más conocidas de Foreigner, pero esta para mí es especial... está contenida en uno de los mejores albumes AOR de la historia y creo que para la mayoría pasa más que desapercibida (y a mí me transmite ¡UN HUEVO!) es el colofón del disco, creo que es una canción infravalorada.
La letra en este caso es como la mayoría de las letras AOReras chulesca (lo repito una vez más), hablando de "titis", guitarras, coches y velocidad... pero lo que me importa es lo que me transmite... ¡la caña nocturna!... la magia de la ciudad de noche, las luces, el tráfico, la gente... la vida urbana... ¡suena a eso! (y no sé la razón ¡pero me gusta!).
La descubrí mientras entraba de noche a Glasgow en autobús tras haber hecho unos cuantos kilómetros ese día... fue el contraste de paisajes verdes, lluvia, humedad... naturaleza y oscuridad e irrumpir de repente en la urbe a ritmo de A Night To Remember... y apreciar 'la magia de la ciudad' en todo su esplendor.
Glenn Frey - You Belong To The City [1985]
You Belong To The City es la muestra musical de 'la magia de la urbe nocturna' que Michael Mann supo aplicar de forma exquisita en la década de los 80 en la serie Miami Vice, protagonizada por Don Johnson.
Este tema fue compuesto expresamente para el primer capítulo de la segunda temporada de Miami Vice (The Prodigal Son) por Glenn Frey (miembro de la banda Eagles) que ya había participado en la primera temporada con su Smuggler's Blues (en un capítulo de igual nombre y en el que participó también como actor al igual que otros tantos músicos hicieron en esta serie: Frank Zappa, Phil Collins...).
El saxo de la introducción le ofrece ese caracter "urban-night" (palabro que me acabo de sacar de la manga). Se trata de un medio tiempo (no me gusta el termino balada-rock), elegante y que destila cierto romanticismo (PERO "a la americana": de noche, con coche, río y rascacielos de fondo).
The sun goes down
The night rolls in
You can feel it starting all over again
The moon comes up
And the music calls
You're getting tired of staring at the same four walls
You're out of your room
And down on the street
Moving through the crowds through the midnight heat
The traffic roars
And the sirens scream
You look at the faces, its just like a dream
Nobody know where you're going
Nobody cares where you've been
'Cause you belong to the city
You belong to the night
living in a river of darkness, beneath the neon light
You were born in the city
Concrete under your feet
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It's in your blood, its in your moves
You're a man of the street
When you said goodbye
You were on the run
Tryin' to get away from the things you'd done
Now you're back again
And you're feeling strange
So much has happened, but nothing has changed
You still don't know where you're going
Your still just a face in the crowd
'Cause you belong to the city
You can feel it
You can taste it
You can see it
You can face it
You can hear it
You're getting near it
You want to make it
'Cause you can take it.
You belong to the city
Un tema muy propio (y hecho de propio) para un "solitario nocturno" como Sonny Crockett.
Russ Ballard - In The Night [1984]
Seguimos con el AOR, los temas "I love the night" y con la inspiración ochentera de Miami Vice.
Aparece en el cuarto episodio de Miami Vice, Calderone's return (part I), en el "momentazo videoclip", fórmula que empleó Michel Mann en la serie en cada episodio y le funcionó bastante bien.
El comienzo chulesco de batería nos anticipa el tipo de recitado que va a preceder (más chulesco si cabe). Y la letra (cómo no...) trata sobre el amor/desamor, la noche y los coches... no hay más, es suficiente. Funciona. EFECTIVA. Russ Ballard. Chimpum.
Una muestra de esos 2 minutos que tanto afectaron a mi psique y que tantas veces he repetido desde entonces...
La fórmula que funciona/funcionó perfectamente:
Miami Vice = AOR/Pop 80's + Sonny Crockett & Michael Tubbs + Michael Mann
Frankie Goes To Hollywood - Relax [1983]
Si tuvieras que elegir una canción que representase la década de los ochenta ¿cual elegirías?... hay muchas que se me pasan por la cabeza pero sin lugar a dudas, Relax sería una de las opciones más evidentes.
Me suele ocurrir con las canciones extremadamente radiadas que terminan por agotarme y finalmente no puedo con ellas, pero por contra... Relax es una de esas excepciones. Siempre que la escucho pienso que tiene 'ese sonido' que tanto me gusta... coloquialmente lo denominaré "sonido umami".
Una de las grandes bazas es la producción, ésta corre a cargo de Trevor Horn, quizá (y sin el quizá...) sea un tema con SUPERPRODUCCIÓN, no discuto que el grupo no haya hecho su aporte... pero me atrevería a decir que el 40% del trabajo efectivo y por tanto del éxito se lo lleva la producción, creo que hay metidas más horas de estudio por parte de Trevor Horn que por cuenta de la banda (esto es una opinión personal, aunque fundamentada en ciertas declaraciones de Trevor Horn), prueba de ello es la cantidad de mixes que aparecieron en la época, entre los que podemos destacar aquel polémico 'Sex Mix' de 16 min que quedó reducido a 8 min adoptando el apodo de 'New York Mix', casualmente, éste último aparece en la primera temporada de Miami Vice, en el capítulo Little Prince (...y se repite la fórmula que hemos visto arriba).
El contenido lírico es de carácter sexual, aunque en determinados medios han jugado al despiste con la pronunciación y el doble sentido que ofrece:
Mike Read se sintió aparentemente ofendido por el contenido sexualmente explícito del diseño de la portada y de las letras. No obstante el texto "Relax, don't don it, when you want to suck it to it" ("relájate, no lo hagas, cuando quieres hacer sexo oral") presentaba un error provocativamente deliberado. Las palabras correctas eran "...when you want to sock it to it" ("cuándo quieres golpearlo"). No obstante, la expresión final "Relax, don't don it, when you want to come" ("relájate, no lo hagas, cuando quieres venir") parece bastante más ineludible, o menos críptica para ciertas personas.
Existen dos versiones del vídeo, la primera fue censurada por su contenido explícito y la segunda parece algo más contenida y acorde con la estética de la época:
En el vídeo oficial, se puede apreciar esa estética de los vídeoclips de los ochenta y la introducción del láser como atracción visual. Personalmente, me encanta ver cómo el bajista aporrea el bajo (técnica conocida como 'Slap').
Pink Floyd - Sorrow [1987]
Siempre pensé que si formaba un grupo de música uno de los referentes en cuanto a sonido iba a ser Sorrow, ¿por qué Sorrow y no algo AOR con lo que he dado tanto la paliza? pues sencillamente porque instrumentalmente me aporta un 'extra' de interés.
Sorrow comienza rompiendo el silencio con 'el delicado sonido del trueno' (un solo de guitarra de Gilmour distorsionado pero elegante). En el minuto 1:48 empieza lo que me gusta de verdad... ese ritmo de bajo SUPERcaracterístico, muy Pink Floydesco... muy ochentero... y ¡¡MUY CHULESCO!! pero contenido... no pierde la compostura por ninguna parte y mientras disfrutamos de ese sonido, Gilmour nos recita su "oda" al pesimismo y al sufrimiento.
En Sorrow se complementan a la perfección los elementos rock con los más sutiles y atmosféricos, el compás imperturbable de Nick Mason junto al ritmo tan marcado de bajo (grabado en esta ocasión por Tony Levin) y esos matices de Wright que le dan 'el toque'... hacen del conjunto un verdadero coloso musical. Sorrow puede parecer inicialmente pretencioso pero al final suena majestuoso.
Dejo un video que muestra la grandeza de su sonido en directo:
Marillion - Tux On [1987]
Dejamos ya los temas AOR (pero no su sonido) y pasamos al último disco de Marillion con Fish y más concretamente a una cara B de su single Warm Wet Circles.
Tux On lo descubrí poco antes de ir al Marillion Weekend '09. Aluciné con este tema como con ninguno de Marillion. ¿Exquisito? ¿raro? ni idea... pero lo tengo claro y a mí me gusta "ir de traje" (In Tux = de esmoquin) como recita el Sr. pescado.
El riff de guitarra es muy de la época (80's), resulta un tanto hipnótico y quizá sea eso lo que tanto me atrae, la ejecución y la producción y para rematar esa base rítmica de bajo y batería (me chifla). Es un tema que quiere sonar AOR, pero es puro rock progresivo. UNA JOYITA OCULTA.
Mike Oldfield - Chariots [2014]
Seguimos adelante con la que actualmente es mi canción vocal favorita de Mike Oldfield (seré casi con toda seguridad el único que piense así, pero...) entiendo que es una afirmación polémica (que entre fans puede generar debate) pero el que haya leído mi historial sin ninguna duda lo tendría que adivinar.
Chariots es: la voz de Luke Spiller + Shadow On The Wall + 'AOR de manual' (como bien leí hace tiempo por internet). La base de batería es similar al de aquella canción interpretada por Roger Chapman en 1983 y la base de guitarra rítmica también. Hay un toque de frescura (que otros llaman sobreproducción) aportado por Steve Lipson (alumno y amiguete de Trevor Horn), lo que nos da una pequeña pista sobre qué es lo que añadió el productor (algunos loops de guitarra y synthes de fondo, además de la famosa cortinilla de estrellas: ¡horror! xD )
El momentazo: ese silencio en el que sólo se escucha voz y batería, recurso muy típico del rock de estadio... y que retoma la canción con la misma energía y te deja un regusto de: ¡que potente ha quedado esto!.
Nickelback - When We Stand Together [2011]
Recuerdo cuando descubrí esta canción que la trillé tanto esos días que se convirtió en mi mantra de optimismo. Nada más empezar el año 2012 la puse a tope en mi cuarto... y me transmitió tan buen rollo, que desde entonces nunca ha salido de mi iPod escuchándola día sí y día también. Una de las cosas que más ilusión me hizo, fue un comentario de mi madre mientras la canción sonaba en el coche: 'esta canción la escucho y "suena a tí"...' ^^ ... no será porque no escucho música desde hace años. Este comentario para mí la hace todavía más especial, le da ese valor añadido y emotivo que la diferencia del resto de canciones hiper-trilladas.
La culpa de todo esto la tienen tres acordes, un ritmo alegre y dinámico, y la voz de Chad Kroeger. Yo pienso que el sonido de Nickelback es una evolución del AOR en términos de Hard Rock... algo como le ocurre a Bon Jovi (otra forma de llamarlo sería Hard Rock comercial).
La letra de la canción es comparable a un anuncio idealista sobre el comportamiento mundial ejemplar (o el mundo actuando como una nación) ¿pretenciosa?, me explico: trata de transmitir lo descuidado que está el mundo, mientras unos se pelean y se están pegando tiros, los otros mueren de hambre; y nosotros somos meros espectadores, pero SI (condicional) nos uniéramos (por la causa) podríamos (todos) hacer frente y ganar esta injusta batalla... AMERICANADA 100%. Pero suena genial.
Eeeh yeeh yeeh... eh! yeeh!
Bruce Springsteen - Radio Nowhere [2007]
No es ni de lejos la mejor canción de Bruce Springsteen, pero quizá sea la que mejores recuerdos me traiga por: 'aquellos maravillosos años' xD .
La descargué gratis de la web de un periódico que se encargó de promocionarla durante unas horas, semanas antes de sacar el disco... y fue "un no parar"... recuerdo la fila que hice para pillar las entradas de mi primer concierto de Bruce y la tensión de que se agotaban y estaban los servidores "petados"... ¡en tres horas volaron!.
La primera escucha fue como un SUBIDÓN de adrenalina... no me esperaba algo tan rockero después del Devil & Dust... en cuanto a sonido fue como una vuelta a The Rising con algo de Born In The U.S.A. ME ENCANTÓ.
Enlazo este video por todo lo que representa: ¡¡¡mi primera canción de Bruce en directo (¡¡YO ESTUVE AHÍ!! Madrid 2007)!!! (reconozco que es la peor interpretación del tema que he escuchado... estaba arrancando la gira y era la primera canción de un concierto que empezó casi una hora tarde por temas que no eran competencia de la banda y si mal no recuerdo... fue causa de la visita del entonces Principe Felipe, la verdad que en conciertos posteriores suena muchísimo mejor).
Mark Knopfler - Boom Like That [2004]
Boom Like That es especial, desde el primer momento que la escuché me cautivo ese riff galopante de guitarra, probablemente uno de mis favoritos. Es una canción que a pesar de transmitir calma es muy dinámica. Tiene cierto aire country pero sin perder el toque rock. El conjunto resulta ELEGANTE y con una producción a la altura del propio Knopfler, EXQUISITA.
La temática de la letra trata ese 'Boom' que supuso la cadena de comida rápida más famosa del mundo.
Desde el día que se publicó ha sido una constante en mi mp3-iPod y nunca he sentido que vaya a agotarla.
U2 - Magnificent [2009]
Ahora toca hablar de una de mis debilidades más recientes... Magnificent.
El riff inicial viene acompañado de unos loops y una percusión electrónica compuestos por Brian Eno, inicialmente resulta un tema muy ambient pero enseguida podemos escuchar la melodía principal con ese delay tan característico de The Edge.
La letra aunque pueda parecer algo trivial, una canción más de amor, creo que esconde un mensaje importante y va más allá del amor en una relación, creo que toca más la faceta espiritual del concepto:
Only love can leave such a mark.
But only love can heal such a scar.
No hay nada tan fuerte como el amor para hacer daño ni nada tan fuerte como él mismo para poder enmendarlo.
Personalmente me parece un tema muy superior respecto a otros buque insignia de su discografía, además, me recuerda bastante a Mysterious Ways.
Marillion - Neverland [2004]
Neverland es una de las canciones más especiales que conozco.
Es toda una declaración de intenciones, pero expresada de la forma más sutil que jamás hubiera podido imaginar escuchar...
Mi devoción por esta canción comenzó desde el subconsciente, me explico: la primera vez que escuché Marbles lo hice mal (me vuelvo a explicar), cogí el Discman (sí, el Discman) y me metí a la cama, pulsé el PLAY y me quedé frito... TAL CUAL (¿aburrido? NO, simplemente tenía mucho sueño y el disco es muy melódico y hasta cierto punto relajado...) PERO, el estribillo de Neverland me hizó abrir los ojos o_O estaba ALUCINANDO en colores con lo que "escuchaba en sueños"... y esa sensación fue tan en aumento que desperté... ¡y después de despertar seguía escuchando lo mismo! (¡EVIDENTEMENTE!) y la puse en bucle unas 6 veces (aproximadamente una hora) y decidí darle al STOP e intentar dormirme porque era tal el subidón que creí que a ese ritmo no pegaba ojo en toda la noche. De ahí lo especial de Neverland. Si a eso le sumo el contenido lírico... le doy el título a una de las mejores composiciones que conozco sin pensármelo dos veces.
El nivel de interpretación de Hogarth roza el dramatismo puro y la interpretación en su máxima expresión, el clímax no se alcanza en un momento concreto... el clímax es TODO, es la canción al completo. La temática, el amor, esta vez parece que tiene que ver con Peter Pan... (el título podía habernos dado la pista ^^ ) es una canción que habla de un amor inocente y puro:
Quédate junto a mí
Susúrrame: “Aquí estoy”
Y la soledad.... desaparece.
(...)
Tú me proporcionas el alma,
la chispa que me hace seguir adelante.
(...)
[Estribillo]: En momentos como estos,
cualquier tonto puede ver tu amor dentro de mí
Impresionante y emotivo es el pasaje en el que Hogarth hace eco de lo que dice con su propia voz...minuto [05:21] mientras Rothery va respondiendo con poderosos fraseos a la guitarra totalmente inspiradores y cargados de sentimiento.
Os dejo con el directo de la convención de fans en Holanda del año 2009, ahí estuve yo, fue un fin de semana MÁGICO... es para vivirlo ya que no hay palabras que expresen el sentimiento en un concierto de una banda que se entrega completamente a los fans.
Pink Floyd - High Hopes [1994]
ES LA MEJOR CANCIÓN QUE CONOZCO.
Ya lo he dicho. Personalmente pienso que lo tiene todo: ritmo, sentimiento, duración, calidad, buen gusto... ni le sobra ni le falta. PERFECTA.
Hablar sobre aquello que consideras lo mejor debería ser fácil, pero a veces es más fácil criticar algo malo o comentar algo mediocre, que expresar con las mejores palabras, una opinión lo más certera posible sin sonar imparcial sobre aquello que admiras. Aplicable en casi todos los ámbitos.
Quisiera hacer un pequeño apunte con la aparición del nuevo disco de Pink Floyd, The Endless River:
Las palabras que vienen a continuación las he extraído de un mail, ya que he recurrido a un colega y gran fan de Pink Floyd, una de las personas de mi entorno que mejor se ha documentado sobre el grupo. Mi duda iba dirigida sobre el contenido lírico, pero la introducción a la respuesta me ha parecido tan interesante que creo que no tiene desperdicio:
"High Hopes" daría para escribir un libro. (...)
"Momentary Lapse" y "Division Bell" y seguramente "Endless River" tratan mucho, como no, de la matraca de la ruptura del grupo, la destrucción del grupo (también de la amistad) y los tres álbumes parece que van a estar muy relacionados uno con otro.
No es casualidad que Louder than words / Of Promises broken son las dos últimas líneas de "SORROW". (curiosamente, pensaron en "Of Promises broken" como posible título para el álbum, antes de escoger "Momentary Lapse").
Y ahora la última canción del nuevo disco es "Louder than words", verso de "Sorrow" (con campanas fúnebres de nuevo que hermanan la nueva canción con "Division Bell" y "High Hopes").
Y The Endless River / Forever and Ever... últimos versos de "HIGH HOPES",
Hay una continua referencia al pasado, presente y futuro del grupo. Como si se mezclaran, como si fueran una sola cosa.
High Hopes la descubrí junto a Sorrow mientras visualizaba el directo P.U.L.S.E. (primera toma de contacto que tuve con Pink Floyd), después dejé de ser el mismo jajaja... cuando fui a dormir después de visualizar el directo iba con el repique de las campanas en la cabeza...
Una de las cosas que más me llama la atención de la intro es que las notas de piano (el tiempo de la canción) y las de la campana (aparentemente) crean una sensación de ir cada una por su lado y eso me inquieta... y ME ENCANTA ^^ . No obstante, no es eso con lo único que alucino (es tan solo el principio) porque subimos de peldaño y nos encontramos en el minuto 1:14, un poderoso bajo irrumpe, (otra de las grandes características de esta canción) y ese ritmo se mete en la cabeza y que apesadumbrado va avanzando, a pesar de tener momentos en los que necesita tomar un respiro para retomar la agotadora marcha. Minuto 2:56, la acústica rompe a llorar, parece un lamento que interrumpe esa marcha, creando el primer clímax de la canción, al que se unen el bajo junto a la atmósfera creada por Wright y esa marcha fúnebre de Mason quenos mete en el papel de aquellos que asisten al "funeral" del grupo. Minuto 3:47, vuelve el repique de las campanas y vuelve todo a la normalidad (la calma que precede la tormenta). Minuto 4:25 continuamos con la marcha que nos introduce el fabuloso solo de pedal steel. Gilmour en el minuto 5:08 nos deleita con EL MOMENTAZO (segundo clímax): un solo precioso que dura más de dos minutos y que luego se va apagando mientras el repique continúa... a modo de curiosidad, Louther Than Words (última canción, del AHORA SI, último disco de Pink Floyd) comienza con dicho repique...
Y repito (que quede claro) cuando digo que es LA MEJOR, es por algo (¿subjetivo? seguro), pero todo esto en mi opinión lo justifica: buena instrumentación, buena producción, buen gusto, es elegante, una duración generosa pero que se hace corta una vez que te atrapa... una voz más que correcta (no es que Gilmour sea un cantante extraordinario pero le da ese toque solemne que necesita la canción, no me puedo imaginar una voz que le vaya mejor) y además tanto líricamente, como musicalmete, como visualmente expresan la muerte del grupo, en cierto modo es una forma romántica y nostálgica de aceptar la muerte en vida. UNA OBRA DE ARTE.
Continuando con el mail de Sergio...
Te diría que veas varias veces el video con subtítulos. Las letras dicen lo que dicen, y es obvio que hablan de la nostalgia por el pasado, del grupo que se está "dividiendo", desapareciendo, envejeciendo, muriéndose...
Ahí interpretarás tú. Thorgerson es decisivo. Era parte del grupo, con Aubrey Powell, el otro integrante de Hipgnosis. Thorgerson da su visión del grupo, y la canción es como un canto fúnebre (las campanas de funeral, en Ely Cathedral, en Cambridge, que es también el lugar de juventud del grupo). Pero observa los árboles sin hojas (portada de Take it back - single), en invierno (símbolo de muerte). Luego hay muchas esferas, bolas, circunferencias (símbolo del grupo, su pantalla circular, pero también la obsesión de Thorgerson por los ojos -tiene un libro llamado Eye of the Storm-).
Lo Veraz es la letra de la canción, y las imágenes del video, sugieren cosas, abiertas a la interpretación de cada uno. A mí me gustan mucho los tres tipos con las banderas (roja-blanca-azul) que serían los tres Floyd (Gilmour / Mason / Wright). El de la bandera negra representaría a Waters, que se fue por su lado (el tipo que lleva la bandera negra lleva además un abrigo como de piel que recuerda al aspecto de Waters en el show de The Wall). Cuando los tres Floyd arrastran campanas, van hacia el fin de la banda, su desaparición, su "funeral".
Y luego están los tipos que llevan un retrato de Syd Barrett (el otro Floyd, desaparecido, perdido, loco, ido).
Y el río está siempre presente, claro, desde Signs of Life, el río es la vida del grupo, y también el estudio flotante de Gilmour donde grabaron estos últimos discos sin Waters.
Sergio Casado la wikipedia de Pink Floyd, espero que se anime a escribir un libro pronto (a poder ser que sea el siguiente). ¡GRACIAS SERGIO!
Héroes del Silencio - El Estanque (live-2007) [1988]
No son Pink Floyd, pero como si lo fueran, y más esta canción cuya intro instrumental está a la altura.
Algo que admiro de Héroes del Silencio es que le dan importancia a todo por igual, música, voz y letras... y eso los hizo ser lo que fueron. LOS MEJORES (en cuanto a banda de rock en España).
Héroes del Silencio marcaron un momento de mi juventud muy especial ('la Era de los Conciertos'... Héroes, Springsteen, Marillion...) y cuando yo creía que había nacido un poco tarde para vivir un concierto en mi ciudad de la mejor banda de rock del país (y de mi ciudad)... empiezo a leer en medios de comunicación rumores que apuntan a una posible reunión para una gira de despedida (ojo con la frase... 'se reúnen para despedirse'). En fin, cuando yo escuché eso y salieron las entradas a la venta, me aceleré y lo viví con tal entusiasmo que el día que salieron las entradas hice horas de fila sin conocimiento (unas 13 horas) para no quedarme sin entradas (y lo hice para los dos conciertos que se dieron en Zaragoza). Eso sí, disfrute como un enano. Posiblemente (hasta el momento así ha sido...) sean los dos mejores conciertos de mi vida, más que por lo musical (que fueron geniales), fue por lo que significaron.
La intro instrumental fue el comienzo ideal, no se me ocurre una mejor canción para haber empezado la gira... ya que conforme avanza va subiendo el nivel y cuando parece ahogarse... pasamos a 'Deshacer el Mundo'...
Bruce Springsteen - The Ghost Of Tom Joad [1995]
Ahora doy paso a una joya de canción, una canción austera, sobria e íntima.
Basada en el personaje Tom Joad de la novela de John Steinbeck, Las Uvas de la Ira. Aunque fue la película de John Ford la que sirvió de estímulo a Springsteen para escribir la canción.
En 1936 un editor del San Francisco News, encargó a John Steinbeck que escribiera una serie de artículos sobre la inmigración en la época del Dust Bowl, que estaba asolando entonces toda California. Una combinación de pobreza, sequía e impagos hipotecarios hizo que muchísimas personas, básicamente granjeros, abandonaran sus resecos hogares y viajaran hasta los pastos presumiblemente más verdes (la tierra prometida) de California en busca de trabajo. Aquellos artículos no se quedaron en un simple ejercicio de periodismo...
Aunque la mayor parte de los fans la han conocido como una balada folk, empezó siendo una canción rock que se ha terminado publicando este 2014 en su disco High Hopes. Aunque esta última versión (o la que iba a ser originalmente) no está nada mal, a la que quiero hacer referencia es a la versión acústica.
Comienza con una especie de lamento a cargo de la armónica y nos va llevando con unos acordes a lo largo de toda la historia, en la cual Springsteen nos resume las condiciones en las que se encuentran muchas de las personas marginadas sobre las que canta. Cuando el personaje de la canción tiene una aparición (el personaje de Joad de la novela de Steinbeck) Springsteen parafrasea el famoso monólogo que aparece en la película de Ford:
Tom said, "Mom, wherever there's a cop beating a guy
Wherever a hungry newborn baby cries
Where there's a fight against the blood and hatred in the air
Look for me, Mom, I'll be there
Where there's somebody fighting for a place to stand
Or a decent job or a helping hand
Wherever somebody's struggling to be free
Look in their eyes, Mom, you'll see me"
Lo curioso de esta canción es, todo lo que me transmite con tan poco, es decir, no es una gran interpretación vocal, no tiene una gran instrumentación ni hace nada excesivamente complejo, pero crece y sobretodo TRANSMITE... transmite soledad, transmite nostalgia y principalmente transmite humanidad, sin utilizar ningún tipo de artificio, tan solo su voz su guitarra y su armónica. Es cierto que hay un acompañamiento de bajo, percusión y teclados que ayuda a incrementar esas sensaciones, hacen de "catalizador sentimental" y disimula esa crudeza innata, pero cuando Bruce la toca en solitario podemos escucharla en su máximo esplendor y es cuando muestra su CARÁCTER AUTÉNTICO es una canción que no necesita de ornamentación para sostenerse sobre sí misma. Sin ningún tipo de duda, The Ghost Of Tom Joad es la mejor canción de Springsteen... una canción que una vez que empiezo a escuchar, me atrapa y no soy capaz de abandonarla hasta haberla consumido.
Aquí dejo una de las primeras apariciones de Tom Morello interpretando The Ghost Of Tom Joad junto a Springsteen.
America - A Horse With No Name [1972]
Este es el claro ejemplo de cómo algo tan sencillo (dos acordes) y que suena auténtico y natural (voz e instrumentos acústicos) pueden funcionar a la perfección y convertirse en mi mantra musical, residuo musical... o el One Hit Wonder de mi iPod (denominación otorgada a aquellos grupos con una sola canción HIPERconocida frente al resto de su discografía). Cada vez que la escucho es inevitable canturrear durante la siguiente media hora:
En mi caso escuché la canción por primera vez gracias a la serie Breaking Bad, una serie magnífica y que al igual que me ocurre con Miami Vice, han sabido seleccionar muy bien la música con las escenas y con la historia.
En el siguiente vídeo podemos ver como va conduciendo Walter White (protagonista) por una carretera americana mientras va disfrutando del momento (canturreando A Horse With No Name), al tratarse de una serie cuya temática es la droga y el título de la canción hacer mención al caballo (heroína) parece todavía escogida con mayor premeditación y más si nuestro protagonista es el químico que se ocupa de fabricar la droga. Un tiempo después con el éxito de la serie apareció la canción en un anuncio de un coche simulando una escena muy similar.
La la lal ala la lalala la la La la lal ala la lalala la la
Creo que es un buen ejemplo de canción incombustible. Y una buena canción para conducir (o canturrear bajo la ducha). :)
Metallica - I Disappear [2000]
Aunque después de todo lo visto desentone un poco... esta canción marcó una época de mi juventud bastante inquieta en la que empecé a ver la música con otros ojos y a escucharla con otros oídos, ya que pasé de escuchar a Mozart, Mike Oldfield y bandas sonoras a enfrentarme a los guitarreos de Iron Maiden y Metallica.
Si mal no recuerdo, está canción fue compuesta expresamente para la película.
I Disappear la descubrí porque un amigo del cole compró la banda sonora de la peli Mission: Impossible 2 y venía después de Take A Look Around de Limp Bizkit (que por aquel entonces me encantaba), pero el sonido rudo de I Disappear me acabó calando desde entonces. ¿qué tiene I Disappear? suena para mi gusto a la mejor etapa de Metallica (cualquier fan me pegaría una paliza ahora mismo, lo sé...), puro Hard Rock, sonido Metallica, sale en una peli que marcó esos años de juventud (y es de Tom Cruise y aunque no es santo de la devoción de muchos, a mí me gusta porque es "un tío AOR" (chulo) xD ).
¿Qué es lo que más destacaría de la canción además del factor emotivo?
La intro con wah-wah (sonido muy americano) los berreos y gruñidos de Hetfield (creo que su voz ha mejorado o se ha jodido más con los años... según se mire). Las guitarras secundarias que suenan y crean atmósfera macarra me chiflan y sobretodo a partir del min 3:47 ese momento en el que la canción se acelera a ritmo de wah-wah y va directa cual maquinaria sin control a despeñarse contra el silencio (minuto 4:26).
El video es genial :)
Iron Maiden - The Wicker Man [2000]
:_) NOSTALGIA
Mi primera canción de Hard Rock, la primera que escuché más de 40 veces en un día (multiplicando por 4:35 minutos, son horas...), la que me hizo decirle a mi padre para navidades:
¡papáquierounaguitarraeléctrica!
¡papáquierounaguitarraeléctrica!
Y así siguiendo unos meses...
The Wicker Man fue el tema que abría el album de reunión de los Maiden (supuso la vuleta del gran Bruce Dickison y del guitarrista Adrian Smith, llegando a ser tres guitarras y un bajo en un mismo grupo... que se dice pronto)... a mí eso en su día me daba lo mismo, yo aluciné con el disco pero me inicialmente me negaba a comprarlo porque sentía que era "muy de malote" escuchar a los Maiden (gran prejuicio de mucha gente a la que he preguntado posteriormente y que denota: lo poco que se sabe de la banda, el cuánto se desconoce de su música y el cómo nos dejamos arrastrar por las apariencias) y es que la portada fue lo que llamo inicialmente mi atención... un Londres futurista y su famoso Eddie por la nubes (nunca mejor dicho), quizá la menos agresiva de su carrera. Recuerdo escuchar en la antigüa Linacero (al fondo de la tienda, donde estaba la música heavy y de malotes, y dónde tenían el reproductor para escuchar... y ahí fue donde finalmente derroté a mis prejuicios y me pasé al lado oscuro... que de oscuro nada, no he escuchado rockeros más melódicos y de buen gusto que Iron Maiden, sus portadas no hacen justicia del contenido).
Es un tema que empieza con un guitarreo potente, al principio ni la voz ni la guitarra son algo tan destacable como para rasgarse las vestiduras pero cuando llega el minuto 0:58 podemos escuchar EL RIFF REPETITIVO (¡me encantó! y me encanta) y con él Dickinson recordando que mi hora ha llegado... ¿la de engancharme al heavy? ¡pues ahí que voy!... y así fue.
Es una canción pensada para dos cosas... abrir un disco o concierto y meter marcha en el cuerpo y para corear (lo que viene siendo rock de estadio), la prueba:
minuto 1:55 ESTRIBILLO (Your Time Will Come...)
minuto 2:14 (solo de guitarra de Adrian Smith)
minuto 3:10 ESTRIBILLO (Your Time Will Come...)
minuto 3:48 CORO ÉPICO
En resumen, nos pegamos más de media canción a base de guitarreo y coros, es decir está echa para el directo y para enganchar (o para que la aborrezcas).
Survivor - The Eye Of The Tiger [1982]
Que decir de Eye Of The Tiger que no se sepa, pues algunas cosas:
Cuando Stallone estaba rodando la escena inicial de Rocky III eligió como tema principal Another One Bites The Dust de Queen, pero parece ser que tuvo problemas para incluirlo y encargó a un grupo de rockeros (Survivor) hacer un temita que se adaptase a esa escena:
Éstos le dijeron que realmente el tema de Queen quedaba genial a la intro y que harían todo lo posible por hacer algo a la altura (para ellos eso suponía un impulso, pero fueron bastante cautos y modestos). Una vez terminado no muy convencidos le presentaron el tema a Stallone... ¿qué creéis que pensó?...
¿Alucinante no? (comparable a cuando alguien te dice que le ha salido un examen fatal y saca un 10).
¿Por qué Eye Of The Tiger con lo trillada que está, no había mejores? haberlas mejores haylas PERO ésta me ha acompañado como canción motivante (POWERSONG) tanto en mis clases de Kung Fu, como entrenamiento personal o durante algunas escapadas al parque a correr ¿y quién mejor que la figura de Rocky para motivar...?
Sobre la canción poco que comentar, un 'riff muteado' que nos marca el ritmo y unos guitarrazos a ritmo de platillo que suenan a hostias como panes. Lo demás ya es conocido por todos, tema AOR 100% chulesco y toda la mandanga que ello conlleva y que no voy a repetir.
Jan Hammer - Crockett's Theme [1984]
Segundo tema instrumental de la lista. He intentado incluir los menos posibles (porque hay muchos que hubiera incluido) pero este me ha sido imposible sacarlo.
Desde que lo escuché por primera vez me cautivó su sencillez. Pero desde que empecé a ver la serie le encontré el completo sentido. Esa atmósfera que crea al escucharlo es el retrato musical del protagonista de la serie Sonny Crockett (Don Johnson). Y suena a él: dentro de la sencillez de la composición, suena a OPTIMISMO, éxito y humanidad... ya que el protagonista erra como cualquiera, sufre como cualquiera, se enfada como cualquiera y se enamora como cualquiera. Otra inseparable de mi iPod.
¡Ah! ¿dije instrumental? en 2006 apareció una versión más moderna compuesta por el mismo Jan Hammer cuando se llevó Miami Vice a la gran pantalla.
Escribí un artículo dedicado exclusivamente a esta canción hace unos meses:
Esta segunda versión, me parece buenísima, conserva lo bueno de la otra y añade cierta frescura; además, existe cierta percepción sinestésica al escucharla, asocio directamente a ese sonido imágenes/sensaciones... ¿palmeras?, ¿ciudad de noche?, ¿playa?, ¿descapotable?, ¿brisa marina en la cara?... ¿se trata de un sonido veraniego?... no lo sé, pero me produce cierto buen rollo. ¡Y MOLA! ¡Yeaaah! :D
Daft Punk - TRON Legacy (End Titles) [2010]
Si consideramos que la anterior no es instrumental terminamos esta selección de forma simétrica con dos temas instrumentales (uno de ellos como intro y el otro como créditos finales, nunca mejor dicho).
La verdad es que tenía claro que tenía que incluir un tema de Daft Punk (aunque he dudado), ya que la banda sonora de TRON: Legacy tiene muy buenos temas y tres de ellos están a la altura de esta selección: End Of Line, Derezzed y el que nos tiene ocupados. ¿Por qué este? creo que es el más representativo y que ha ido ganando con las escuchas. Además el punto fuerte es que no representa una escena de la película si no EL CONCEPTO, lo sofisticado, el futuro, los ordenadores, la programación, la electrónica... y creo que Daft Punk ha sabido plasmarlo muy bien.
LISTA: Get Psyched Mix (Ponte Eufórico Mix) (Spotify)
Para aquellos que les haya gustado la selección pueden seguir mi lista de Spotify Get Psyched Mix (Ponte Eufórico Mix) en la que he incluido todas las canciones (excepto la segunda que es prácticamente imposible de conseguirla de forma oficial).
DESCARTES (Bonus Track)
Mientras elaboraba el artículo me tambalee con unos cuantos temas... y aunque no los he incluido dentro de los 25... han estado MUY cerca de estar dentro y como he invertido un tiempo precioso en reflexionar sobre estas canciones que pienso que tanto merecen la pena, dejo aquí la muestra de lo que me han inspirado:
Foreigner - Urgent [1981]
Comienza con riff de guitarra bastante rítmico y peculiar que posteriormente repetirá el teclado y bajo, este riff marcará el ritmo de la canción.
Es mi tema favorito de una de las joyas del AOR (no soy el único que lo dice), chulesco (n-ésima vez) como el que más, pegadizo como el que más y con una nota muy característica que le da ese plus que me encanta el toque del saxo... saxo + rock = 80's
La canción lo tiene todo (como todas las que me gustan) y le falta de todo lo que no me gusta (como todas las que idem). Es un temazo con todas las de la ley. ¿La letra? he dicho que era chulesca ¿no? y además es AOR... ¿1+1? pues eso... la letra habla sobre un tipo un poco "hot-minded" que está muy pillado por una titi pero no habla en este caso del amor idealizado, habla de 'la necesidad'... URGENT!
Michael Jackson - Beat It [1982]
Ahora le toca el turno a una joyita del pop-rock de un gran top ventas, Thriller.
Esta canción me trae muy buenos recuerdos de cuando era pequeño. Al igual que con los dibujos de "La Patrulla Galáctica"... me ocurrió con la película Regreso al Futuro II, cuando en una de las escenas aparece este tema, lo que provoca un "residuo musical" permanente y que ya no puedo quitármelo de la cabeza.
Posee ese tono chulesco-macarrilla juvenil del que no he dejado de hablar durante todo el artículo, que parece un requisito imprescindible para que algo me guste tanto, pero es mentira... estoy abierto a más y muy distinto (aunque no se muestra todo en estas 25 instantáneas).
Este "residuo" del que hablaba me llevó posteriormente a indagar más sobre la canción y encontrarme con la colaboración del virtuoso Van Halen. He incluido Beat It y no Ain't Talkin' 'Bout Love (de Van Halen), porque esta canción representa la nostalgia y además contiene el espíritu de Van Halen.
Si escuchamos el tramo del minuto 2:44-2:46 nos encontraremos con una curiosidad:
Durante la grabación del solo de Van Halen, el técnico de sonido (o uno de los técnicos) llamó a la puerta... y ese toc-toc-toc... quedó plasmado para la posteridad ya que al propio Michael le gustó cómo quedó.
Aquí os dejo con el momento en el que aparece en Back To The Future (part II).
Queen - I Want It All [1989]
Evolucionando en el sonido ROCK (con mayúsculas) llegamos a este fantástico tema de Queen. Para mí su gran hit (para la mayoría supongo que no, aunque lo tengan en buena estima).
Un tema con garra, duro, rockero, con algunas filigranas, y por su puesto elaborado y completo. A eso debemos sumarle el carisma de (para la mayoría) el mejor cantante de la historia del rock y uno de los mejores guitarristas de la historia de la música.
Un tema de rock de estadio redondo y PERFECTO... pena que Freddie no vivió lo suficiente y no pudimos disfrutarlo en directo.
¡Lo quiero TODO y lo quiero AHORA!
Daft Punk - Giorgio by Moroder [2013]
Llega el turno para el tema más electrónico de la selección (de "descartes"), con cierto aire autobiográfico y retro. Sinceramente lo veo como uno de los temas más completos del dúo francés.
Empezamos escuchando como cierto barullo de gente pero, eso si, en un ambiente civilizado y distendido, "acomodando" al oyente (ubicándolo) en ese hipotético club de jazz y mientras de forma muy familiar Giorgio Moroder nos habla de forma autobiográfica sobre su forma de componer y percibir la música, mientras Daft Punk de forma magistral va utilizando los recursos técnicos que va comentando Giorgio (micrófonos, synthes...) adaptando su forma de componer a la de Moroder. El resultado me parece MAGISTRAL. Ni que decir del clímax final de batería y guitarras... IMPRESIONANTE.
El loop principal suena muy retro quizá algo discotequero y seguramente recuerde a aquel The Chase de Moroder. Probablemente no sea una casualidad, dejo aquí una muestra de una remezcla de aquel The Chase y su Around The World de la gira del 97...Daftendirektour:
En 2012 se confirmó la participación de Giorgio Moroder en el nuevo álbum de estudio del grupo francés Daft Punk, titulado Random Access Memories. Y en abril de 2013 se reveló la primera entrevista en el episodio 1 de The Collaborators en el sitio web del nuevo trabajo del dúo francés Daft Punk, donde da a conocer anécdotas sobre sus inicios y su admiración por el grupo anfitrión.
En mayo del mismo año se publica íntegramente en escucha gratuita por tiempo limitado el nuevo álbum Random Access Memories de Daft Punk, ocho días antes de salir a la venta, en la que la letra de la tercera pista titulada Giorgio by Moroder corresponde a fragmentos de la entrevista anteriormente mencionada brindada por el propio Moroder, en el episodio 1 de The Collaborators.
Bon Jovi - You Give Love A Bad Name [1986]
Shot through the heart, and you're to blame
(darling)
You give love a bad name
Y con esta energía inicia (explota) la canción... no es una de las que más recuerdos me trae pero si que desde que la escuché atentamente me ha ido gustando más y más y más...
Cómo no... otro tema AOR y energético para la lista. Esta vez la culpa la tiene la serie How I Meet Your Mother y su personaje Barney Stinson. Parece ser que el también es aficionado a hacerse listas de música y una de sus máximas es que una canción tiene que empezar arriba y seguir subiendo, así que aunque mi lista no empieza con esta canción voy a homenajear a Barney terminando mi lista por la más alto y subiendo hacia arriba... aquí os presento su Ponte Eufórico Mix:
